Επισκόπηση του Op Art Movement

Το Op Art (συντομογραφία οπτικής τέχνης) είναι ένα καλλιτεχνικό κίνημα που εμφανίστηκε στη δεκαετία του 1960. Είναι ένα ξεχωριστό στυλ τέχνης που δημιουργεί την ψευδαίσθηση της κίνησης. Μέσω της χρήσης της ακρίβειας και των μαθηματικών, της έντονης αντίθεσης και των αφηρημένων σχημάτων, αυτά τα αιχμηρά έργα τέχνης έχουν τρισδιάστατη ποιότητα που δεν φαίνεται σε άλλα στυλ τέχνης.

Αναδρομή στο 1964. Στις Ηνωμένες Πολιτείες, βρισκόμασταν ακόμη από τη δολοφονία του Προέδρου John F. Κένεντι, ενθυλακωμένος στο κίνημα Πολιτικών Δικαιωμάτων, και «εισβάλλεται» από τη βρετανική ποπ / ροκ μουσική. Πολλοί άνθρωποι είχαν επίσης την ιδέα να επιτύχουν τον ειδυλλιακό τρόπο ζωής που ήταν τόσο διαδεδομένος στη δεκαετία του 1950. Ήταν η τέλεια στιγμή για ένα νέο καλλιτεχνικό κίνημα να ξεσπάσει στη σκηνή.

Τον Οκτώβριο του 1964, σε ένα άρθρο που περιγράφει αυτό το νέο στυλ τέχνης, Περιοδικό Time επινόησε τη φράση "Οπτική Τέχνη" (ή "Op Art", όπως είναι πιο γνωστό). Ο όρος αναφέρεται στο γεγονός ότι το Op Art αποτελείται από ψευδαίσθηση και συχνά φαίνεται στο ανθρώπινο μάτι να κινείται ή να αναπνέει λόγω της ακριβούς, μαθηματικά βασισμένης σύνθεσής του.

Μετά (και εξαιτίας) μιας μεγάλης έκθεσης του Op Art του 1965 με τίτλο "The Responsive Eye", το κοινό γοητεύτηκε με το κίνημα. Ως αποτέλεσμα, κάποιος άρχισε να βλέπει το Op Art παντού: σε έντυπη και τηλεοπτική διαφήμιση, ως LP άλμπουμ και ως μοτίβο μόδας στα ρούχα και στο εσωτερικό.

Αν και ο όρος επινοήθηκε και η έκθεση πραγματοποιήθηκε στα μέσα της δεκαετίας του 1960, οι περισσότεροι άνθρωποι που έχουν μελετήσει αυτά τα πράγματα συμφωνούν ότι Βίκτορ Βασαρέλι πρωτοστάτησε στο κίνημα με τη ζωγραφική του "Zebra" του 1938.

Μ. ΝΤΟ. Το στυλ του Escher τον έκανε μερικές φορές να εμφανίζεται και ως καλλιτέχνης Op, αν και δεν ταιριάζουν αρκετά στον ορισμό. Πολλά από τα πιο γνωστά έργα του δημιουργήθηκαν τη δεκαετία του 1930 και περιλαμβάνουν εκπληκτικές προοπτικές και χρήση των διαμερισμάτων (σχήματα σε στενές διευθετήσεις). Αυτά τα δύο σίγουρα βοήθησαν να δείξουν το δρόμο για τους άλλους.

Μπορεί επίσης να υποστηριχθεί ότι κανένα από τα Op Art δεν θα ήταν δυνατό - πόσο μάλλον θα αγκαλιαζόταν από το κοινό - χωρίς τα προηγούμενα αφηρημένα και εξπρεσιονιστικά κινήματα. Αυτοί οδήγησαν τον δρόμο απο-υπογραμμίζοντας (ή, σε πολλές περιπτώσεις, εξαλείφοντας) το αντιπροσωπευτικό αντικείμενο.

Ως "επίσημο" κίνημα, η Op Art έχει διάρκεια ζωής περίπου τριών ετών. Αυτό δεν σημαίνει, ωστόσο, ότι κάθε καλλιτέχνης σταμάτησε να χρησιμοποιεί το Op Art ως στυλ τους έως το 1969.

Μπρίτζετ Ρίλι είναι ένας αξιοσημείωτος καλλιτέχνης που έχει μετακινηθεί από αχρωματικά σε χρωματικά κομμάτια, αλλά έχει δημιουργήσει σταθερά το Op Art από την αρχή του έως σήμερα. Επιπλέον, οποιοσδήποτε έχει περάσει από ένα μετα-δευτεροβάθμιο πρόγραμμα καλών τεχνών έχει πιθανώς μια ιστορία ή δύο από έργα Op-ish που δημιουργήθηκαν κατά τη διάρκεια μελετών θεωρίας χρωμάτων.

Αξίζει επίσης να σημειωθεί ότι, στην ψηφιακή εποχή, το Op Art αντιμετωπίζεται μερικές φορές με εκνευρισμό. Ίσως και εσείς έχετε ακούσει το (μάλλον χλευασμό, κάποιοι θα έλεγαν) το σχόλιο, "Ένα παιδί με το κατάλληλο λογισμικό γραφιστικής θα μπορούσε να παράγει αυτά τα πράγματα." Αρκετά αλήθεια, ένα προικισμένο παιδί με υπολογιστή και το κατάλληλο λογισμικό που έχει στη διάθεσή της θα μπορούσε σίγουρα να δημιουργήσει το Op Art τον 21ο αιώνα.

Αυτό σίγουρα δεν συνέβη στις αρχές της δεκαετίας του 1960, και η ημερομηνία "Zebra" του Vasarely το 1938 μιλά από μόνη της από αυτή την άποψη. Το Op Art αντιπροσωπεύει μεγάλο αριθμό μαθηματικών, σχεδιασμού και τεχνικών δεξιοτήτων, καθώς κανένα από αυτά δεν προήλθε από ένα περιφερειακό υπολογιστή. Το πρωτότυπο, χειροποίητο Op Art αξίζει τον σεβασμό, τουλάχιστον.

Το Op Art υπάρχει για να ξεγελάσει το μάτι. Οι συνθέσεις Op δημιουργούν ένα είδος οπτικής έντασης στο μυαλό του θεατή που δίνει έργα ψευδαίσθηση κίνησης. Για παράδειγμα, επικεντρωθείτε στο "Dominance Portfolio, Blue" (1977) της Bridget Riley για μερικά δευτερόλεπτα και αρχίζει να χορεύει και να κυματίζει μπροστά στα μάτια σας.

Ρεαλιστικά, εσύ ξέρω ότι οποιοδήποτε κομμάτι Op Art είναι επίπεδο, στατικό και δισδιάστατο. Το μάτι σας, ωστόσο, αρχίζει να στέλνει στον εγκέφαλό σας το μήνυμα ότι αυτό που βλέπει έχει αρχίσει να ταλαντεύεται, τρεμοπαίζει, πατάει και οποιοδήποτε άλλο ρήμα μπορεί να χρησιμοποιήσει κάποιος για να σημαίνει, "Ναι! Αυτός ο πίνακας είναι κίνηση!"

Το Op Art δεν έχει σκοπό να αντιπροσωπεύει την πραγματικότητα. Λόγω της γεωμετρικά βασισμένης φύσης του, το Op Art είναι σχεδόν χωρίς εξαίρεση μη αντιπροσωπευτικό. Οι καλλιτέχνες δεν προσπαθούν να απεικονίσουν οτιδήποτε γνωρίζουμε στην πραγματική ζωή. Αντ 'αυτού, μοιάζει περισσότερο με την αφηρημένη τέχνη στην οποία κυριαρχούν η σύνθεση, η κίνηση και το σχήμα.

Το Op Art δεν δημιουργείται τυχαία. ο στοιχεία που χρησιμοποιούνται σε ένα κομμάτι του Op Art επιλέγονται προσεκτικά για να επιτύχουν το μέγιστο αποτέλεσμα. Για να λειτουργήσει η ψευδαίσθηση, κάθε χρώμα, γραμμή και σχήμα πρέπει να συμβάλλει στη συνολική σύνθεση. Χρειάζεται μεγάλη πρόβλεψη για να δημιουργήσετε επιτυχώς έργα τέχνης σε στυλ Op Art.

Το Op Art βασίζεται σε δύο συγκεκριμένες τεχνικές. Οι κρίσιμες τεχνικές που χρησιμοποιούνται στο Op Art είναι προοπτική και προσεκτική αντιπαράθεση χρώματος. Το χρώμα μπορεί να είναι χρωματικό (αναγνωρίσιμες αποχρώσεις) ή αχρωματικό (μαύρο, λευκό ή γκρι). Ακόμα και όταν χρησιμοποιείται το χρώμα, τείνουν να είναι πολύ τολμηρά και μπορεί να είναι είτε συμπληρωματικά είτε υψηλής αντίθεσης.

Το Op Art συνήθως δεν περιλαμβάνει την ανάμειξη χρωμάτων. Οι γραμμές και τα σχήματα αυτού του στυλ είναι πολύ καλά καθορισμένα. Οι καλλιτέχνες δεν χρησιμοποιούν σκίαση κατά τη μετάβαση από το ένα χρώμα στο άλλο και πολύ συχνά δύο χρώματα υψηλής αντίθεσης τοποθετούνται το ένα δίπλα στο άλλο. Αυτή η σκληρή μετατόπιση είναι ένα βασικό κομμάτι αυτού που ενοχλεί και παρασύρει το βλέμμα σας για να δείτε την κίνηση όπου δεν υπάρχει καμία.

Το Op Art αγκαλιάζει αρνητικό χώρο. Στο Op Art –όπως και σε κανένα άλλο καλλιτεχνικό σχολείο– οι θετικοί και αρνητικοί χώροι σε μια σύνθεση δεν είναι εξίσου σημαντικοί. Η ψευδαίσθηση δεν μπορούσε να δημιουργηθεί χωρίς και τα δύο, οπότε οι καλλιτέχνες της Op τείνουν να επικεντρώνονται τόσο στον αρνητικό χώρο όσο και στο θετικό.