54 διάσημοι πίνακες από διάσημους καλλιτέχνες

Το να είσαι διάσημος καλλιτέχνης στη ζωή σου δεν αποτελεί εγγύηση ότι άλλοι καλλιτέχνες θα σε θυμούνται. Έχετε ακούσει για τον Γάλλο ζωγράφο Ernest Meissonier;

Ήταν σύγχρονος με τον Edouard Manet και μακράν τον πιο επιτυχημένο καλλιτέχνη σχετικά με την κριτική αναγνώριση και τις πωλήσεις. Το αντίστροφο ισχύει επίσης, με τον Vincent van Gogh. Ο Van Gogh βασίστηκε στον αδερφό του, Theo, για να του δώσει χρώμα και καμβά, αλλά σήμερα οι πίνακές του φέρνουν ρεκόρ τιμές κάθε φορά που έρχονται σε δημοπρασία τέχνης και είναι ένα όνομα οικιακής χρήσης.

Κοιτάζοντας διάσημους πίνακες στο παρελθόν και το παρόν μπορεί να σας διδάξει πολλά πράγματα, συμπεριλαμβανομένης της σύνθεσης και του χειρισμού του χρώματος. Αν και ίσως το πιο σημαντικό μάθημα είναι ότι θα πρέπει τελικά να ζωγραφίσετε για τον εαυτό σας, όχι για αγορά ή απόγονος.

"Night Watch" - Ρέμπραντ

Η ζωγραφική "Night Watch" του

Ρέμπραντ είναι μέσα στο Rijksmuseum στο Άμστερνταμ. Όπως δείχνει η φωτογραφία, είναι ένας τεράστιος πίνακας: 363x437cm (143x172 "). Ρέμπραντ τελείωσε το 1642. Ο αληθινός τίτλος του είναι "The Company of Frans Banning Cocq και Willem van Ruytenburch", αλλά είναι πιο γνωστό ως Νυχτερινή βάρδια. (Μια εταιρεία που είναι φρουρός πολιτοφυλακής).

Η σύνθεση του πίνακα ήταν πολύ διαφορετική για την περίοδο. Αντί να εμφανίζει τις φιγούρες με τακτοποιημένο, ομαλό τρόπο, όπου όλοι είχαν την ίδια προβολή και χώρο στον καμβά, ο Rembrandt τις έβαλε ως μια πολυάσχολη ομάδα δράσης.

Γύρω στο 1715 μια ασπίδα ζωγραφίστηκε στο "Νυχτερινό ρολόι" που περιείχε τα ονόματα 18 ατόμων, αλλά μόνο κάποια από τα ονόματα είχαν αναγνωριστεί ποτέ. (Θυμηθείτε λοιπόν εάν βάψετε ένα ομαδικό πορτρέτο: σχεδιάστε ένα διάγραμμα στο πίσω μέρος για να ακολουθήσετε τα ονόματα όλων στο μέλλον οι γενιές θα ξέρουν!) Τον Μάρτιο του 2009 ο Ολλανδός ιστορικός Bas Dudok van Heel αποκάλυψε επιτέλους το μυστήριο του ποιος είναι στο ζωγραφική. Η έρευνά του βρήκε ακόμη και είδη ένδυσης και αξεσουάρ που απεικονίζονται στο "Night Watch" που αναφέρεται σε αποθέματα του οικογενειακά κτήματα, τα οποία στη συνέχεια συγκρούστηκε με την ηλικία των διαφόρων πολιτοφυλακών το 1642, τη χρονιά που ήταν ο πίνακας ολοκληρώθηκε το.

Ο Dudok van Heel ανακάλυψε επίσης ότι στην αίθουσα όπου κρεμάστηκε για πρώτη φορά το "Night Watch" του Rembrandt, υπήρχαν έξι γκρουπ πορτρέτα μιας πολιτοφυλακής που αρχικά εμφανίστηκαν σε μια συνεχή σειρά, όχι έξι ξεχωριστοί πίνακες όπως καιρό σκέψη. Αντίθετα, τα έξι πορτραίτα του συγκροτήματος των Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart και Flinck δημιούργησαν μια αδιάσπαστη ζωφόρο που ταιριάζουν μεταξύ τους και στερεώνονται στην ξύλινη επένδυση του δωματίου. Ή, αυτή ήταν η πρόθεση. Το "Night Watch" του Rembrandt δεν ταιριάζει με τους άλλους πίνακες σε σύνθεση ή χρώμα. Φαίνεται ότι ο Ρέμπραντ δεν τήρησε τους όρους της προμήθειάς του. Αλλά, αν είχε, δεν θα είχαμε ποτέ αυτό το εντυπωσιακά διαφορετικό ομαδικό πορτρέτο του 17ου αιώνα.

"Λαγός" - Albrecht Dürer

Συνήθως αναφέρεται ως κουνέλι του Dürer, ο επίσημος τίτλος αυτής της ζωγραφικής το αποκαλεί λαγό. Ο πίνακας βρίσκεται στη μόνιμη συλλογή του Συλλογή Batliner απο Μουσείο Albertina στη Βιέννη της Αυστρίας.

Ζωγραφίστηκε με ακουαρέλα και γκουάς, με τα λευκά χρώματα να γκουάς (αντί να είναι το άβαφο λευκό του χαρτιού).

Είναι ένα εντυπωσιακό παράδειγμα για το πώς μπορεί να βαφτεί η γούνα. Για να το μιμηθείτε, η προσέγγιση που θα ακολουθήσετε εξαρτάται από την υπομονή που έχετε. Εάν έχετε oodles, θα βάψετε με μια λεπτή βούρτσα, μία τρίχα κάθε φορά. Διαφορετικά, χρησιμοποιήστε μια τεχνική στεγνής βούρτσας ή χωρίστε τις τρίχες σε μια βούρτσα. Η υπομονή και η αντοχή είναι απαραίτητες. Εργαστείτε πολύ γρήγορα σε βρεγμένο χρώμα και το άτομο κινδυνεύει να αναμειχθεί. Μην συνεχίζετε για αρκετό καιρό και η γούνα θα μοιάζει γυμνή.

Sistine Chapel Ceiling Fresco - Michelangelo

Ο πίνακας από τον Μιχαήλ Άγγελο της οροφής Sistine Chapel είναι μια από τις πιο διάσημες τοιχογραφίες στον κόσμο.

Το παρεκκλήσι Sistine είναι ένα μεγάλο εκκλησάκι στο Αποστολικό Παλάτι, η επίσημη κατοικία του Πάπα (ηγέτη της Καθολικής Εκκλησίας) στην Πόλη του Βατικανού. Έχει πολλές τοιχογραφίες ζωγραφισμένες σε αυτό, από μερικά από τα μεγαλύτερα ονόματα της Αναγέννησης, συμπεριλαμβανομένων των τοιχογραφιών των Bernini και Raphael, αλλά είναι πιο διάσημη για τις τοιχογραφίες στην οροφή του Michelangelo.

Ο Μιχαήλ Άγγελος γεννήθηκε στις 6 Μαρτίου 1475 και πέθανε στις 18 Φεβρουαρίου 1564. Ανατέθηκε από τον Πάπα Ιούλιος ΙΙ, ο Michelangelo εργάστηκετο ταβάνι Sistine Chapel από τον Μάιο 1508 έως τον Οκτώβριο του 1512 (δεν έγινε καμία εργασία μεταξύ Σεπτεμβρίου 1510 και Αυγούστου 1511). Το παρεκκλήσι εγκαινιάστηκε την 1η Νοεμβρίου 1512, στη γιορτή όλων των Αγίων.

Το παρεκκλήσι έχει μήκος 40,23 μέτρα, πλάτος 13,40 μέτρα και το ανώτατο όριο 20,70 μέτρα πάνω από το έδαφος στο υψηλότερο σημείο¹. Ο Μιχαήλ Άγγελος ζωγράφισε μια σειρά από Βιβλικές σκηνές, προφήτες και προγόνους του Χριστού, καθώς και στοιχεία trompe l'oeil ή αρχιτεκτονικής. Η κύρια περιοχή της οροφής απεικονίζει ιστορίες από ιστορίες του βιβλίου της Γένεσης, συμπεριλαμβανομένης της δημιουργίας της ανθρωπότητας, της πτώσης του ανθρώπου από τη χάρη, της πλημμύρας και του Νώε.

Sistine Chapel Ceiling: Μια λεπτομέρεια

Το πάνελ που δείχνει τη δημιουργία του ανθρώπου είναι πιθανώς η πιο γνωστή σκηνή στη διάσημη τοιχογραφία του Μιχαήλ Άγγελου στην οροφή του παρεκκλησιού Sistine.

Το παρεκκλήσι Sistine στο Βατικανό έχει πολλές τοιχογραφίες ζωγραφισμένο σε αυτό, αλλά είναι το πιο διάσημο για τις τοιχογραφίες στην οροφή του Μιχαήλ Άγγελου. Εκτεταμένη αποκατάσταση πραγματοποιήθηκε μεταξύ 1980 και 1994 από ειδικούς τέχνης του Βατικανού, αφαιρώντας τον καπνό αιώνων από τα κεριά και τις προηγούμενες εργασίες αποκατάστασης. Αυτό αποκάλυψε χρώματα πολύ πιο φωτεινά από ό, τι πιστεύαμε προηγουμένως.

Οι χρωστικές ουσίες που χρησιμοποιήθηκαν από τον Michelangelo περιελάμβαναν ώχρα για κόκκινα και κίτρινα, πυριτικά άλατα σιδήρου για χόρτα, λάπις λαζούλι για μπλουζ και κάρβουνο για μαύρο.¹ Δεν είναι όλα ζωγραφισμένα με τόση λεπτομέρεια που εμφανίζεται για πρώτη φορά. Για παράδειγμα, οι μορφές στο προσκήνιο είναι βαμμένες με περισσότερες λεπτομέρειες από αυτές στο παρασκήνιο, προσθέτοντας την αίσθηση του βάθους στην οροφή.

Περισσότερα για το παρεκκλήσι Sistine:

• Μουσεία του Βατικανού: Παρεκκλήσι Sistine
• Εικονική περιήγηση στο παρεκκλήσι Sistine

Πηγές:
1 Μουσεία του Βατικανού: Το παρεκκλήσι Sistine, η κρατική ιστοσελίδα του Βατικανού, στις 9 Σεπτεμβρίου 2010.

Σημειωματάριο Leonardo da Vinci

Ο αναγεννησιακός καλλιτέχνης Λεονάρντο ντα Βίντσι είναι διάσημος όχι μόνο για τους πίνακες αλλά και για τα σημειωματάριά του. Αυτή η φωτογραφία δείχνει μια φωτογραφία στο Μουσείο V&A του Λονδίνου.

Το Μουσείο V&A στο Λονδίνο διαθέτει πέντε από τους φορητούς υπολογιστές του Leonardo da Vinci στη συλλογή του. Αυτό, γνωστό ως Codex Forster III, χρησιμοποιήθηκε από τον Λεονάρντο ντα Βίντσι μεταξύ 1490 και 1493 όταν εργαζόταν στο Μιλάνο για τον Δούκα Λούντοβιτσο Σφόρζα.

Είναι ένα μικρό σημειωματάριο, το είδος του μεγέθους που θα μπορούσατε εύκολα να κρατήσετε σε μια τσέπη παλτό. Είναι γεμάτο με κάθε είδους ιδέες, σημειώσεις και σκίτσα, συμπεριλαμβανομένων των "σκίτσων των ποδιών ενός αλόγου, σχεδίων καπέλα και ρούχα που μπορεί να ήταν ιδέες για κοστούμια σε μπάλες, και μια περιγραφή της ανατομίας του ανθρώπου κεφάλι."¹ Αν και δεν μπορείτε να γυρίσετε τις σελίδες του σημειωματάριου στο μουσείο, μπορείτε να τη διαβάσετε μέσω διαδικτύου.

Η ανάγνωση της γραφής του δεν είναι εύκολη, μεταξύ του καλλιγραφικού στυλ και της χρήσης του καθρέφτη (προς τα πίσω, από δεξιά προς τα αριστερά), αλλά μερικοί το βρίσκουν συναρπαστικό να βλέπουν πώς βάζει όλα τα είδη σε ένα σημειωματάριο. Είναι ένα φορητό σημειωματάριο, όχι ένα εκθετήριο. Εάν ανησυχείτε ποτέ ότι το δικό σας περιοδικό δημιουργικότητας με κάποιον τρόπο δεν έγινε σωστά ή οργανώθηκε, πάρτε το προβάδισμά σας από αυτόν τον κύριο: κάντε το όπως χρειάζεστε.

<sub>Πηγή:
1. Εξερευνήστε το Forster Codices, το Μουσείο V&A. (Πρόσβαση στις 8 Αυγούστου 2010.)</sub>

"Η Μόνα Λίζα" - Λεονάρντο ντα Βίντσι

Λεονάρντο Ντα ΒίντσιΗ ζωγραφική «Μόνα Λίζα», στο Λούβρο του Παρισιού, είναι αναμφισβήτητα η πιο διάσημη ζωγραφική στον κόσμο. Είναι πιθανώς και το πιο γνωστό παράδειγμα sfumato, μια τεχνική ζωγραφικής εν μέρει υπεύθυνη για το αινιγματικό της χαμόγελο.

Υπήρξαν πολλές εικασίες για το ποια ήταν η γυναίκα στον πίνακα. Θεωρείται ότι είναι ένα πορτρέτο της Λίζας Γκεραρντίνι, σύζυγος ενός έμπορου υφασμάτων της Φλωρεντίας που ονομάζεται Francesco del Giocondo. (Ο συγγραφέας τέχνης του 16ου αιώνα Vasari ήταν από τους πρώτους που το πρότεινε αυτό, στο "Lives of the Artists"). Έχει επίσης προταθεί ότι ο λόγος για το χαμόγελό της ήταν ότι ήταν έγκυος.

Οι ιστορικοί της τέχνης γνωρίζουν Λεονάρντο είχε ξεκινήσει τη «Μόνα Λίζα» από το 1503, καθώς έγινε ρεκόρ εκείνης της χρονιάς από έναν ανώτερο αξιωματούχο της Φλωρεντίας, τον Αγοστίνο Βεσπούτσι. Όταν τελείωσε, είναι λιγότερο σίγουρο. Το Λούβρο χρονολόγησε αρχικά τον πίνακα με 1503-06, αλλά οι ανακαλύψεις που έγιναν το 2012 δείχνουν ότι μπορεί να ήταν τόσο πολύ όσο μια δεκαετία αργότερα, πριν τελειώσει, με βάση το φόντο να βασίζεται σε ένα σχέδιο πετρωμάτων που είναι γνωστό ότι έκανε 1510-15.¹ Το Λούβρο άλλαξε τις ημερομηνίες σε 1503-19 τον Μάρτιο του 2012.

Πηγή:
1. Η Μόνα Λίζα θα μπορούσε να έχει ολοκληρωθεί μια δεκαετία αργότερα από ό, τι πιστεύεται στην εφημερίδα The Art, από τον Μάρτιν Μπέιλι, 7 Μαρτίου 2012 (πρόσβαση στις 10 Μαρτίου 2012)

Διάσημοι ζωγράφοι: Monet στο Giverny

Φωτογραφίες αναφοράς για ζωγραφική: "Κήπος στο Giverny" του Monet.

Μέρος του λόγου για τον οποίο ο ιμπρεσιονιστής ζωγράφος Claude Monet είναι τόσο διάσημος είναι οι πίνακές του με τις αντανακλάσεις στις λίμνες των κρίνων που δημιούργησε στον μεγάλο κήπο του στο Giverny. Ενέπνευσε για πολλά χρόνια, μέχρι το τέλος της ζωής του. Σκιαγράφησε ιδέες για πίνακες εμπνευσμένους από τις λίμνες και δημιούργησε μικρούς και μεγάλους πίνακες τόσο ως μεμονωμένα έργα όσο και ως σειρές.

Η υπογραφή του Claude Monet

Αυτό το παράδειγμα του πώς ο Monet υπέγραψε τα έργα του είναι από έναν από τους πίνακες του νούφαρου. Μπορείτε να δείτε ότι το υπέγραψε με ένα όνομα και επώνυμο (Claude Monet) και το έτος (1904). Είναι στην κάτω δεξιά γωνία, αρκετά μακριά ώστε να μην κόβεται από το πλαίσιο.

Το πλήρες όνομα του Monet ήταν ο Claude Oscar Monet.

"Impression Sunrise" - Monet

Αυτός ο πίνακας του Monet έδωσε το όνομα στο ιμπρεσιονιστικό στυλ της τέχνης. Το εξέθεσε το 1874 στο Παρίσι σε αυτό που έγινε γνωστό ως η πρώτη ιμπρεσιονιστική έκθεση.

Στην κριτική του για την έκθεση την οποία είχε τίτλο «Έκθεση Ιμπρεσιονιστών», ο κριτικός της τέχνης Louis Leroy είπε:

"Η ταπετσαρία στην εμβρυϊκή του κατάσταση είναι πιο τελειωμένη από αυτό το θαλασσινό τοπίο."

<sub>Πηγή:
1. "L'Exposition des Impressionnistes" του Louis Leroy, Le Charivari, 25 Απριλίου 1874, Παρίσι. Μεταφράστηκε από τον John Rewald στα Η Ιστορία του Ιμπρεσιονισμού, Moma, 1946, σελ. 256-61; αναφέρεται στο Salon to Biennial: Εκθέσεις που έκαναν Ιστορία της Τέχνης από τον Bruce Altshuler, Phaidon, p42-43.</sub>

Σειρά "Haystacks" - Monet

Ο Monet ζωγράφισε συχνά μια σειρά από το ίδιο θέμα για να συλλάβει τα μεταβαλλόμενα εφέ του φωτός, ανταλλάσσοντας καμβά καθώς προχωρούσε η μέρα.

Ο Monet ζωγράφισε πολλά θέματα επανειλημμένως, αλλά κάθε ένας από τους πίνακες της σειράς του είναι διαφορετικός, είτε πρόκειται για ζωγραφική με νούφαρο ή άχυρα. Καθώς οι πίνακες του Monet είναι διάσπαρτοι σε συλλογές σε όλο τον κόσμο, συνήθως σε ειδικές εκθέσεις οι πίνακες ζωγραφικής του θεωρούνται ομαδικά. Ευτυχώς, το Ινστιτούτο Τέχνης στο Σικάγο έχει πολλούς από τους πίνακες ζωγραφικής της Monet στη συλλογή του, καθώς είναι εντυπωσιακοί βλέποντας μαζί:

• Στοίβα σίτου
• Thaw, Ηλιοβασίλεμα
• Ηλιοβασίλεμα, Επίδραση χιονιού
• Επίδραση χιονιού, συννεφιά
• Τέλος του καλοκαιριού

Τον Οκτώβριο του 1890 ο Monet έγραψε μια επιστολή στον κριτικό της τέχνης Gustave Geffroy για τη σειρά θυμωνιών χόρτου που ζωγράφισε, λέγοντας:

"Είμαι σκληρός σε αυτό, δουλεύω πεισματικά σε μια σειρά διαφορετικών εφέ, αλλά αυτή τη στιγμή του χρόνου ο ήλιος δύει τόσο γρήγορα που είναι αδύνατο να συμβαδίσει με αυτό... Όσο περισσότερο παίρνω, τόσο περισσότερο βλέπω ότι πρέπει να γίνει πολλή δουλειά για να αποδώσω αυτό που ψάχνω: «στιγμιαία», το «φάκελο» πάνω απ 'όλα, το ίδιο φως απλώνεται σε όλα... Είμαι όλο και περισσότερο εμμονή με την ανάγκη να αποδώσω αυτό που βιώνω και προσεύχομαι να μου αφήσουν μερικά ακόμη καλά χρόνια γιατί νομίζω ότι μπορεί να σημειώσω κάποια πρόοδο προς αυτή την κατεύθυνση... " ¹

<sup>Πηγή: ​
1. Monet από τον εαυτό του, σελ. 172, επιμέλεια Richard Kendall, MacDonald & Co, London, 1989.</sup>

"Νούφαρα" - Claude Monet

Claude Monet, "Νούφαρα", γ. 19140-17, λάδι σε καμβά. Μέγεθος 65 3/8 x 56 ίντσες (166,1 x 142,2 cm). Στη συλλογή του Μουσεία Καλών Τεχνών του Σαν Φρανσίσκο.

Ο Monet είναι ίσως ο πιο διάσημος από τους ιμπρεσιονιστές, ειδικά για τους πίνακες του με τις αντανακλάσεις στη λίμνη κρίνων στον κήπο του Giverny. Αυτή η συγκεκριμένη ζωγραφική δείχνει ένα μικρό σύννεφο στην επάνω δεξιά γωνία, και τα στίγματα μπλε του ουρανού όπως αντανακλώνται στο νερό.

Εάν μελετήσετε φωτογραφίες του κήπου του Monet, όπως αυτή της λίμνης του Monet και αυτή των λουλουδιών κρίνου, και τις συγκρίνετε με αυτόν τον πίνακα, θα αποκτήστε μια αίσθηση για το πώς ο Monet μείωσε τις λεπτομέρειες στην τέχνη του, συμπεριλαμβανομένης μόνο της ουσίας της σκηνής ή της εντύπωσης του προβληματισμού, του νερού και του κρίνου λουλούδι. Κάντε κλικ στον σύνδεσμο "Προβολή πλήρους μεγέθους" κάτω από την παραπάνω φωτογραφία για μια μεγαλύτερη έκδοση στην οποία είναι πιο εύκολο να αποκτήσετε μια αίσθηση για το πινέλο του Monet.

Ο Γάλλος ποιητής Paul Claudel είπε:

«Χάρη στο νερό, ο [Monet] έγινε ο ζωγράφος αυτού που δεν μπορούμε να δούμε. Αντιμετωπίζει αυτήν την αόρατη πνευματική επιφάνεια που διαχωρίζει το φως από την αντανάκλαση. Ευάερο γαλάζιο αιχμάλωτο υγρό γαλάζιο... Το χρώμα αυξάνεται από τον πυθμένα του νερού σε σύννεφα, σε υδρομασάζ. "

^Πηγή:
Σελίδα 262 Τέχνη του αιώνα μας, των Jean-Louis Ferrier και Yann Le Pichon

Η υπογραφή του Camille Pissarro

Ο ζωγράφος Camille Pissarro τείνει να είναι λιγότερο γνωστός από πολλούς από τους συγχρόνους του (όπως ο Monet), αλλά έχει ένα μοναδικό σημείο στο χρονοδιάγραμμα της τέχνης. Δούλεψε τόσο ως ιμπρεσιονιστής όσο και ως νεοϊμπρεσιονιστής, καθώς επίσης επηρεάζοντας τους διάσημους καλλιτέχνες όπως οι Cézanne, Van Gogh και Gauguin. Ήταν ο μόνος καλλιτέχνης που παρουσίασε και στα οκτώ από τα Ιμπρεσιονιστικές εκθέσεις στο Παρίσι από το 1874 έως το 1886.

Αυτοπροσωπογραφία Van Gogh (1886/1887)

Αυτό πορτρέτο με Βίνσεντ βαν Γκογκ είναι στη συλλογή του Art Institute of Chicago. Ζωγραφίστηκε με στυλ παρόμοιο με το Pointillism, αλλά δεν κολλάει αυστηρά μόνο στις τελείες.

Στα δύο χρόνια έζησε στο Παρίσι, από το 1886 έως το 1888, ο Βαν Γκογκ ζωγράφισε 24 αυτοπροσωπογραφίες. Το Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο περιέγραψε αυτό ως «τεχνική κουκίδων» του Seurat όχι ως επιστημονική μέθοδο, αλλά «μια έντονη συναισθηματική γλώσσα "στην οποία" οι κόκκινες και πράσινες κουκκίδες είναι ενοχλητικές και συμβαδίζουν απόλυτα με τη νευρική ένταση που φαίνεται στο van Gogh's βλέμμα."

Σε μια επιστολή λίγα χρόνια αργότερα προς την αδερφή του, Wilhelmina, ο Van Gogh έγραψε:

"Ζωγράφισα δύο φωτογραφίες τον τελευταίο καιρό, μία από τις οποίες έχει μάλλον τον πραγματικό χαρακτήρα, νομίζω, αν και στην Ολλανδία πιθανότατα θα κοροϊδεύουν τις ιδέες για τη ζωγραφική πορτρέτου που βλασταίνουν εδώ... Πάντα πιστεύω ότι οι φωτογραφίες είναι απαίσια, και δεν μου αρέσει να τις περιβάλλω, ιδιαίτερα όχι εκείνων που γνωρίζω και αγαπώ... Τα φωτογραφικά πορτρέτα μαραίνονται πολύ νωρίτερα από ό, τι εμείς οι ίδιοι, ενώ το ζωγραφισμένο πορτρέτο είναι ένα πράγμα που γίνεται αισθητό, γίνεται με αγάπη ή σεβασμό για τον άνθρωπο που απεικονίζεται. "

Πηγή:
Επιστολή προς τη Wilhelmina van Gogh, 19 Σεπτεμβρίου 1889

Υπογραφή του Βίνσεντ βαν Γκογκ

Το Night Cafe του Van Gogh είναι τώρα στη συλλογή της γκαλερί τέχνης του Πανεπιστημίου Yale. Είναι γνωστό ότι ο Van Gogh υπέγραψε μόνο εκείνους τους πίνακες με τους οποίους ήταν ιδιαίτερα ικανοποιημένος, αλλά αυτό που είναι ασυνήθιστο στην περίπτωση αυτού του πίνακα είναι ότι πρόσθεσε έναν τίτλο κάτω από την υπογραφή του, "Le café de Nuit."
Παρατηρήστε ότι ο Βαν Γκογκ υπέγραψε τους πίνακές του απλά «Βίνσεντ», όχι «Βίνσεντ βαν Γκογκ» ούτε «Βαν Γκογκ».

Σε μια επιστολή προς τον αδελφό του Theo, γραμμένο στις 24 Μαρτίου 1888, είπε:

"Στο μέλλον το όνομά μου θα έπρεπε να τοποθετηθεί στον κατάλογο καθώς το υπογράφω στον καμβά, δηλαδή τον Βίνσεντ και όχι τον Βαν Γκογκ, για τον απλό λόγο ότι δεν ξέρουν πώς να προφέρουν το τελευταίο όνομα εδώ."

"Εδώ" είναι η Αρλ, στα νότια της Γαλλίας.
Αν έχετε αναρωτηθεί πώς προφέρετε τον Βαν Γκογκ, θυμηθείτε ότι είναι ολλανδικό επώνυμο, όχι γαλλικό ή αγγλικό. Επομένως, το "Gogh" προφέρεται, οπότε μιλάει με τη Σκωτσέζικη "λίμνη". Δεν είναι "goff" ούτε "go".

The Starry Night - Βίνσεντ βαν Γκογκ

Αυτός ο πίνακας, ο οποίος είναι πιθανώς ο πιο διάσημος πίνακας του Vincent van Gogh, βρίσκεται στη συλλογή του Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης στη Νέα Υόρκη.
Ο Βαν Γκογκ ζωγράφισε Η έναστρη νύχτα τον Ιούνιο του 1889, έχοντας αναφέρει το αστέρι του πρωινού σε μια επιστολή προς τον αδερφό του Θόο, γραμμένο γύρω στις 2 Ιουνίου 1889: είδα τη χώρα από το παράθυρό μου πολύ καιρό πριν από την ανατολή του ηλίου, με τίποτα άλλο από το πρωί, που φαινόταν πολύ μεγάλο. (στην πραγματικότητα ο πλανήτης Αφροδίτη, όχι ένα αστέρι) θεωρείται γενικά ο μεγάλος λευκός ζωγραφισμένος ακριβώς αριστερά από το κέντρο του πίνακα.
Παλαιότερα γράμματα του Βαν Γκογκ αναφέρουν επίσης τα αστέρια και τον νυχτερινό ουρανό και την επιθυμία του να τα βάψει:

1. "Πότε θα γυρίσω ποτέ τον έναστρο ουρανό, εκείνη την εικόνα που είναι πάντα στο μυαλό μου;" (Επιστολή προς τον Emile Bernard, 18 Ιουνίου 1888)
2. «Όσο για τον έναστρο ουρανό, ελπίζω να το ζωγραφίσω, και ίσως θα το κάνω μια από αυτές τις μέρες» (Επιστολή στον Theo van Gogh, 26 Σεπτεμβρίου 1888).
3. "Προς το παρόν θέλω απολύτως να ζωγραφίσω έναν έναστρο ουρανό. Μου φαίνεται συχνά ότι η νύχτα είναι ακόμα πιο πλούσια από την ημέρα. έχοντας αποχρώσεις από τις πιο έντονες βιολέτες, μπλουζ και πράσινα. Αν μόνο το προσέξετε θα δείτε ότι ορισμένα αστέρια είναι λεμόνι-κίτρινο, άλλα ροζ ή πράσινο, μπλε και ξεχνώ-όχι-λάμψη... είναι προφανές ότι η τοποθέτηση μικρών άσπρων κουκκίδων στο γαλάζιο-μαύρο δεν αρκεί για να βάψει έναν έναστρο ουρανό. "(Επιστολή προς τον Wilhelmina van Gogh, 16 Σεπτεμβρίου 1888)

Το εστιατόριο de la Sirene, στο Asnieres - Vincent van Gogh

Αυτός ο πίνακας του Vincent van Gogh βρίσκεται στη συλλογή του Μουσείου Ashmolean στην Οξφόρδη του Ηνωμένου Βασιλείου. Ο Βαν Γκογκ το ζωγράφισε αμέσως μετά την άφιξή του στο Παρίσι το 1887 για να ζήσει με τον αδερφό του Θόο στη Μονμάρτρη, όπου ο Θόου διαχειριζόταν μια γκαλερί τέχνης.
Για πρώτη φορά, ο Βίνσεντ εκτέθηκε στους πίνακες των Ιμπρεσιονιστών (ιδιαίτερα του Μονέ) και γνώρισε καλλιτέχνες όπως Γκαουγκίν, Τουλούζη-Λατρέρεκ, Έμιλ Μπερνάρντ και Πίσσαρο. Σε σύγκριση με το προηγούμενο έργο του, στο οποίο κυριαρχούσαν οι αποχρώσεις της σκοτεινής γης που είναι χαρακτηριστικοί των ζωγράφων της Βόρειας Ευρώπης, όπως ο Ρέμπραντ, αυτός ο πίνακας δείχνει την επίδραση αυτών των καλλιτεχνών σε αυτόν.
Τα χρώματα που χρησιμοποίησε έχουν φωτίσει και λάμψει και το πινέλο του έγινε πιο χαλαρό και πιο εμφανές. Κοιτάξτε αυτές τις λεπτομέρειες από τον πίνακα και θα δείτε πώς χρησιμοποιεί μικρές πινελιές καθαρού χρώματος. Δεν αναμειγνύει χρώματα στον καμβά, αλλά αφήνει αυτό να συμβεί στα μάτια του θεατή. Δοκιμάζει το σπασμένο χρώμα προσέγγιση των ιμπρεσιονιστών.
Σε σύγκριση με τους μετέπειτα πίνακές του, οι λωρίδες χρώματος απέχουν μεταξύ τους, με ουδέτερο φόντο να δείχνει μεταξύ τους. Δεν καλύπτει ακόμη ολόκληρο τον καμβά με κορεσμένο χρώμα, ούτε εκμεταλλεύεται τις δυνατότητες χρήσης πινέλων για να δημιουργήσει υφή στο ίδιο το χρώμα.

Το εστιατόριο de la Sirene, στο Asnieres από τον Vincent van Gogh (Λεπτομέρεια)

Αυτές οι λεπτομέρειες από τη ζωγραφική του Van Gogh The Restaurant de la Sirene, στο Asnieres (στη συλλογή του Μουσείου Ashmolean), δείχνουν πώς πειραματίστηκε με το πινέλο και τα σημάδια του μετά από έκθεση στους πίνακες των Ιμπρεσιονιστών και άλλων σύγχρονων Παρισίων καλλιτέχνες.

"Four Dancers" - Edgar Degas

Edgar Degas, Four Dancers, γ. 1899. Λάδι σε καμβά. Μέγεθος 59 1/2 x 71 ίντσες (151,1 x 180,2 cm). Στο Εθνική Πινακοθήκη, Ουάσιγκτον.

"Πορτρέτο της μητέρας του καλλιτέχνη" - Γουίστλερ

Αυτός είναι ίσως ο πιο διάσημος πίνακας του Γουίστλερ. Ο πλήρης τίτλος του είναι "Ρύθμιση σε γκρι και μαύρο αρ. 1, πορτρέτο της μητέρας του καλλιτέχνη". Η μητέρα του συμφώνησε να ποζάρει για τη ζωγραφική όταν το μοντέλο που χρησιμοποιούσε ο Γουίστλερ αρρώστησε. Αρχικά της ζήτησε να θέσει όρθια, αλλά όπως μπορείτε να δείτε, έδωσε και την άφησε να καθίσει.
Στον τοίχο υπάρχει χαρακτική του Γουίστλερ, "Black Lion Wharf". Αν κοιτάξετε πολύ προσεκτικά στην κουρτίνα πάνω αριστερά του πλαισίου χάραξης, θα δείτε ένα ελαφρύτερο μουτζούρι, αυτό είναι το σύμβολο πεταλούδας που ο Γουίστλερ χρησιμοποιούσε για να υπογράψει τους πίνακες του. Το σύμβολο δεν ήταν πάντα το ίδιο, αλλά άλλαξε και το σχήμα του χρησιμοποιείται μέχρι σήμερα. Είναι γνωστό ότι είχε αρχίσει να το χρησιμοποιεί το 1869.

"Hope II" - Gustav Klimt

"Όποιος θέλει να μάθει κάτι για μένα - ως καλλιτέχνης, το μόνο αξιοσημείωτο πράγμα - πρέπει να κοιτάξει προσεκτικά τις φωτογραφίες μου και να προσπαθήσει να δει μέσα του τι είμαι και τι θέλω να κάνω." Κλιμ.

Ο Gustav Klimt ζωγράφισε Ελπίδα II σε καμβά το 1907/8 χρησιμοποιώντας λαδομπογιές, χρυσό και πλατίνα. Έχει μέγεθος 43,5x43,5 "(110,5 x 110,5 cm). Ο πίνακας είναι μέρος της συλλογής του Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης στη Νέα Υόρκη.
Ελπίδα II είναι ένα όμορφο παράδειγμα Η χρήση του χρυσού φύλλου του Klimt σε πίνακες ζωγραφικής και το πλούσιο διακοσμητικό του στυλ. Κοιτάξτε τον τρόπο με τον οποίο ζωγράφισε το ένδυμα που φορούσε η κύρια φιγούρα, πώς είναι ένα αφηρημένο σχήμα διακοσμημένο με κύκλους, αλλά το «διαβάζουμε» ακόμα ως μανδύα ή φόρεμα. Πώς στο κάτω μέρος συγχωνεύεται με τα τρία άλλα πρόσωπα.
Στην εικονογραφημένη βιογραφία του Klimt, ο κριτικός τέχνης Frank Whitford είπε:

Ο Klimt "έβαλε αληθινά φύλλα χρυσού και ασημιού για να ενισχύσει ακόμη περισσότερο την εντύπωση ότι ο πίνακας είναι ένα πολύτιμο αντικείμενο, όχι απομακρυσμένος καθρέφτης στον οποίο η φύση μπορεί να φανταστεί, αλλά ένα προσεκτικά επεξεργασμένο αντικείμενο. " ²

Είναι ένας συμβολισμός που θεωρείται ότι ισχύει σήμερα, δεδομένου ότι ο χρυσός εξακολουθεί να θεωρείται ως πολύτιμο αγαθό.
Ο Κλίμτ έζησε στη Βιέννη της Αυστρίας και έδωσε έμπνευση περισσότερο από την Ανατολή παρά τη Δύση, από «πηγές όπως Βυζαντινή τέχνη, μυκηναϊκά μεταλλικά έργα, περσικά χαλιά και μινιατούρες, τα ψηφιδωτά των εκκλησιών της Ραβέννας και ιαπωνικά οθόνες. " ³
Πηγή:
1. Καλλιτέχνες στο πλαίσιο: Gustav Klimt από τον Frank Whitford (Collins & Brown, London, 1993), εξώφυλλο.
2. Όχι. σελ. 82.
3. Κυριότερα σημεία του MoMA (Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης, Νέα Υόρκη, 2004), σελ. 54

Υπογραφή του Πικάσο

Αυτή είναι η υπογραφή του Πικάσο στη ζωγραφική του 1903 (από την Μπλε Περίοδο) με τίτλο "The Absinthe Drinker."
Ο Πικάσο πειραματίστηκε με διάφορες συντομευμένες εκδόσεις του ονόματός του ως υπογραφή ζωγραφικής του, όπως σε κύκλο αρχικά, πριν ξεκινήσετε στο "Pablo Picasso". Σήμερα τον ακούμε γενικά ως απλό "Πικάσο."

Το πλήρες όνομά του ήταν: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso¹.
​
<sub>Πηγή:
1. "Ένα άθροισμα καταστροφών: Οι πολιτισμοί του Πικάσο και η δημιουργία του κυβισμού", από τη Natasha Staller. Πανεπιστημιακός Τύπος Yale. Σελίδα σελ. 209.</sub>

"The Absinthe Drinker" - Πικάσο

Αυτός ο πίνακας δημιουργήθηκε από τον Πικάσο το 1903, κατά την Μπλε Περίοδο του (μια εποχή που κυριαρχούσαν τόνοι μπλε στους πίνακες του Πικάσο. όταν ήταν στα είκοσι του). Περιλαμβάνει τον καλλιτέχνη Angel Fernandez de Soto, ο οποίος ήταν πιο ενθουσιώδης για πάρτι και ποτό από τον πίνακα του¹και που μοιράστηκε ένα στούντιο με τον Πικάσο στη Βαρκελώνη σε δύο περιπτώσεις.
Ο πίνακας τέθηκε σε δημοπρασία τον Ιούνιο του 2010 από το Ίδρυμα Andrew Lloyd Webber μετά την επίτευξη εξωδικαστικής διευθέτησης στις ΗΠΑ λόγω ιδιοκτησίας, μετά από ισχυρισμό απογόνων του γερμανο-εβραίου τραπεζίτη Paul von Mendelssohn-Bartholdy ότι ο πίνακας είχε υποστεί απειλή κατά τη δεκαετία του 1930 κατά τη διάρκεια του ναζιστικού καθεστώτος το Γερμανία.

<sub>Πηγή:
1. Ο οίκος δημοπρασιών της Κρίστι δελτίο τύπου, "Christie's to Offer Picasso Masterpiece", 17 Μαρτίου 2010.</sub>

"Η Τραγωδία" - Πικάσο

Πάμπλο Πικάσο, Τραγωδία, 1903. Λάδι σε ξύλο. Μέγεθος 41 7/16 x 27 3/16 ίντσες (105,3 x 69 cm). Στο Εθνική Πινακοθήκη, Ουάσιγκτον.

Είναι από την Μπλε Περίοδο του, όταν οι πίνακες του, όπως υποδηλώνει το όνομα, κυριαρχούσαν όλοι από μπλουζ.

Σκίτσο του Πικάσο για τη διάσημη ζωγραφική του "Guernica"

Ενώ σχεδίαζε και εργαζόταν στην τεράστια ζωγραφική του Guernica, ο Πικάσο έκανε πολλά σκίτσα και μελέτες. Η φωτογραφία δείχνει ένα από τα δικά του σύνθεση σκίτσα, τα οποία από μόνα τους δεν μοιάζουν πολύ, μια συλλογή από κακογραμμένες γραμμές.

Αντί να προσπαθήσουμε να αποκρυπτογραφήσουμε ποια είναι τα διάφορα πράγματα και πού βρίσκεται στον τελικό πίνακα, σκεφτείτε το ως στενογραφία του Πικάσο. Απλός δημιουργία σημάτων για εικόνες που είχε στο μυαλό του. Επικεντρωθείτε στο πώς το χρησιμοποιεί για να αποφασίσει πού να τοποθετήσει στοιχεία στον πίνακα, στην αλληλεπίδραση μεταξύ αυτών των στοιχείων.

"Guernica" - Πικάσο

Αυτός ο διάσημος πίνακας του Πικάσο είναι τεράστιος: ύψος 11 πόδια 6 ίντσες και πλάτος 25 πόδια 8 ίντσες (3,5 x 7,76 μέτρα). Ο Πικάσο το έβαλε με προμήθεια για το Ισπανικό Περίπτερο στην Παγκόσμια Έκθεση του 1937 στο Παρίσι. Είναι στο Museo Reina Sofia στη Μαδρίτη της Ισπανίας.

"Πορτρέτο του κ. Minguell" - Πικάσο

Ο Πικάσο έκανε αυτή την προσωπογραφία το 1901 όταν ήταν 20 ετών. Το θέμα ενός καταλανικού ράφτη, ο κ. Minguell, στον οποίο πιστεύεται ότι ο Πικάσο εισήχθη από τον έμπορο τέχνης και τον φίλο του Pedro Manach¹. Το στυλ δείχνει την κατάρτιση που είχε ο Πικάσο στην παραδοσιακή ζωγραφική και πόσο μακριά αναπτύχθηκε το στυλ ζωγραφικής του κατά τη διάρκεια της καριέρας του. Το ότι είναι ζωγραφισμένο σε χαρτί είναι ένα σημάδι ότι έγινε σε μια εποχή που ο Πικάσο έσπασε, δεν είχε ακόμη αρκετά χρήματα από την τέχνη του για να ζωγραφίσει σε καμβά.

Ο Πικάσο έδωσε στον Minguell τον πίνακα ως δώρο, αλλά αργότερα τον αγόρασε και το είχε ακόμα όταν πέθανε το 1973. Ο πίνακας τέθηκε σε καμβά και πιθανότατα αποκαταστάθηκε υπό την καθοδήγηση του Πικάσο "κάπου πριν το 1969"², όταν φωτογραφήθηκε για ένα βιβλίο του Christian Zervos στο Πικάσο.

Την επόμενη φορά που θα συμμετάσχετε σε ένα από αυτά τα επιχειρήματα για δείπνο για το πώς ζωγραφίζουν όλοι οι μη ρεαλιστές ζωγράφοι αφηρημένη, κυβιστής, φεβίστας, ιμπρεσιονιστής, επιλέξτε το στυλ σας γιατί δεν μπορούν να κάνουν "πραγματικούς πίνακες", ρωτήστε το άτομο αν βάλει τον Πικάσο σε αυτήν την κατηγορία (οι περισσότεροι κάνουν), τότε αναφέρετε αυτόν τον πίνακα.

_{Πηγή:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Λεπτομέρειες παρτίδας Impressionist and Modern Art Sale 22 Ιουνίου 2010. (Πρόσβαση στις 3 Ιουνίου 2010.)}

"Dora Maar" ή "Tête De Femme" - Πικάσο

Όταν πωλήθηκε σε δημοπρασία τον Ιούνιο του 2008, αυτός ο πίνακας του Πικάσο πωλήθηκε για 7.881.250 £ (15.509.512 US $). Η εκτίμηση της δημοπρασίας ήταν 3 έως 5 εκατομμύρια λίρες.

Les Demoiselles d'Avignon - Πικάσο

Αυτός ο τεράστιος πίνακας (σχεδόν οκτώ τετραγωνικά πόδια) του Πικάσο αναγγέλλεται ως ένα από τα πιο σημαντικά κομμάτια της σύγχρονης τέχνης που δημιουργήθηκε ποτέ, αν όχι ο το πιο σημαντικό, ένας κρίσιμος πίνακας στην ανάπτυξη της σύγχρονης τέχνης. Ο πίνακας απεικονίζει πέντε γυναίκες - πόρνες σε ένα πορνείο - αλλά υπάρχει πολλή συζήτηση για το τι σημαίνει όλα αυτά και όλες τις αναφορές και τις επιρροές σε αυτό.
Κριτικός της τέχνης Jonathan Jones¹ λέει:

"Αυτό που έπληξε τον Πικάσο σχετικά με τις αφρικανικές μάσκες [εμφανές στα πρόσωπα των μορφών στα δεξιά] ήταν το το πιο προφανές: ότι σε μεταμφιέζουν, σε μετατρέπουν σε κάτι άλλο - ζώο, δαίμονας, α θεός. Ο μοντερνισμός είναι μια τέχνη που φορά μάσκα. Δεν λέει τι σημαίνει; δεν είναι παράθυρο αλλά τοίχος. Ο Πικάσο επέλεξε το θέμα του ακριβώς επειδή ήταν κλισέ: ήθελε να δείξει ότι η πρωτοτυπία στην τέχνη δεν έγκειται στην αφήγηση ή την ηθική, αλλά στην επίσημη εφεύρεση. Γι 'αυτό είναι λανθασμένο να βλέπουμε το Les Demoiselles d'Avignon ως ζωγραφική «για» πορνεία, πόρνες ή αποικιοκρατία ».

Πηγή:
1. Τα πανκ του Πάμπλο από τον Jonathan Jones, Ο κηδεμόνας, 9 Ιανουαρίου 2007.

"Γυναίκα με κιθάρα" - Georges Braque

Georges Braque, Γυναίκα με κιθάρα, 1913. Λάδι και κάρβουνο σε καμβά. 51 1/4 x 28 3/4 ίντσες (130 x 73 cm). Στο Musee National d'Art Moderne, Κέντρο Georges Pompidou, Παρίσι.

The Red Studio - Henri Matisse

Αυτός ο πίνακας είναι στη συλλογή του Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης (Moma) στη Νέα Υόρκη. Δείχνει το εσωτερικό του στούντιο ζωγραφικής του Matisse, με επίπεδη προοπτική ή ένα μονόπλευρο επίπεδο. Οι τοίχοι του στούντιο του δεν ήταν πραγματικά κόκκινοι, ήταν λευκοί. χρησιμοποίησε το κόκκινο στη ζωγραφική του για εφέ.
Στο στούντιο του εμφανίζονται διάφορα έργα τέχνης και κομμάτια επίπλων στούντιο. Τα περιγράμματα των επίπλων στο στούντιο του είναι γραμμές στο χρώμα που αποκαλύπτουν χρώμα από ένα χαμηλότερο, κίτρινο και μπλε στρώμα, που δεν είναι βαμμένο πάνω από το κόκκινο.

1. "Οι γωνιακές γραμμές υποδηλώνουν βάθος και το γαλαζοπράσινο φως του παραθύρου εντείνει την αίσθηση του εσωτερικού χώρου, αλλά η έκταση του κόκκινου ισοπεδώνει την εικόνα. Ο Matisse αυξάνει αυτό το αποτέλεσμα, παραλείποντας, για παράδειγμα, την κατακόρυφη γραμμή της γωνίας του δωματίου. "
- MoMA Highlights, που εκδόθηκε από το Moma, 2004, σελίδα 77.

2. "Όλα τα στοιχεία... βυθίζουν τις ατομικές τους ταυτότητες σε αυτό που έγινε παρατεταμένος διαλογισμός για την τέχνη και τη ζωή, το χώρο, το χρόνο, την αντίληψη και τη φύση της ίδιας της πραγματικότητας... ένα σταυροδρόμι για τη δυτική ζωγραφική, όπου η κλασική εξωτερική εμφάνιση, κυρίως αντιπροσωπευτική τέχνη του παρελθόντος γνώρισε το προσωρινό, εσωτερικευμένο και αυτοαναφερόμενο ήθος του μέλλοντος... "
- Hilary Spurling,, σελίδα 81.

The Dance - Henri Matisse

Η κορυφαία φωτογραφία δείχνει τον τελικό πίνακα του Matisse με τίτλο Ο ΧΟΡΟΣ, ολοκληρώθηκε το 1910 και τώρα στο Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ στην Αγία Πετρούπολη της Ρωσίας. Η κάτω φωτογραφία δείχνει τη μεγάλη, συνθετική μελέτη που έκανε για τη ζωγραφική, τώρα ΜΟΜΑ στη Νέα Υόρκη, ΗΠΑ. Ο Matisse το έβαλε με προμήθεια από τον Ρώσο συλλέκτη τέχνης Sergei Shchukin.
Είναι ένας τεράστιος πίνακας, πλάτους σχεδόν τεσσάρων μέτρων και ύψους δυόμισι μέτρων (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2") και είναι βαμμένος με μια παλέτα που περιορίζεται σε τρία χρώματα: κόκκινο, πράσινο και μπλε. Νομίζω ότι είναι ένας πίνακας που δείχνει γιατί η Matisse έχει τόσο φήμη ως χρωματιστή, ειδικά όταν συγκρίνεις τη μελέτη με τον τελικό πίνακα με τις λαμπερές φιγούρες της.
Στη βιογραφία της Matisse (στη σελίδα 30), η Hilary Spurling λέει:

"Όσοι είδαν την πρώτη έκδοση του Χορός το περιέγραψε ως απαλό, λεπτό, ακόμη και ονειρικό, βαμμένο σε χρώματα που ήταν ψηλά... στη δεύτερη εκδοχή σε μια άγρια, επίπεδη ζωφόρο από βερμίλινες φιγούρες που δονείται σε ζώνες από φωτεινό πράσινο και ουρανό. Οι σύγχρονοι είδαν τον πίνακα ως ειδωλολατρικό και Διονυσιανό. "

Σημειώστε την πεπλατυσμένη προοπτική, πώς τα σχήματα έχουν το ίδιο μέγεθος και όχι αυτά που είναι μακρύτερα από το να είναι μικρότερα, όπως θα συνέβαινε σε προοπτική ή σε προτομή για παραστατικούς πίνακες. Πώς καμπύλη η γραμμή μεταξύ του μπλε και του πράσινου πίσω από τις φιγούρες, αντηχεί τον κύκλο των φιγούρων.

"Η επιφάνεια ήταν χρωματισμένη σε κορεσμό, στο σημείο όπου το μπλε, η ιδέα του απόλυτου μπλε, υπήρχε οριστικά. Ένα φωτεινό πράσινο για τη γη και ένα ζωντανό βερμίλιο για τα σώματα. Με αυτά τα τρία χρώματα είχα την αρμονία του φωτός και την καθαρότητα του τόνου. "- Matisse

Πηγή:
"Εισαγωγή στην έκθεση From Russian για δασκάλους και μαθητές" από τον Greg Harris, Royal Academy of Arts, Λονδίνο, 2008.

Διάσημοι ζωγράφοι: Willem de Kooning

Ο ζωγράφος Willem de Kooning γεννήθηκε στο Ρότερνταμ στις Κάτω Χώρες στις 24 Αυγούστου 1904 και πέθανε στο Long Island της Νέας Υόρκης στις 19 Μαρτίου 1997. Ο Ντε Κουνίνγκ μαθητευόταν στην εταιρεία εμπορικής τέχνης και διακόσμησης όταν ήταν 12 ετών και παρακολούθησε βραδινά μαθήματα στην Ακαδημία Καλών Τεχνών και Τεχνών του Ρότερνταμ για οκτώ χρόνια. Μετανάστευσε στις ΗΠΑ το 1926 και άρχισε να ζωγραφίζει με πλήρη απασχόληση το 1936.

Το στυλ ζωγραφικής του Ντε Κουνίνγκ ήταν ο αφηρημένος εξπρεσιονισμός. Είχε την πρώτη του ατομική έκθεση στη γκαλερί Charles Egan στη Νέα Υόρκη το 1948, με ένα σώμα εργασίας σε ασπρόμαυρη μπογιά. (Άρχισε να χρησιμοποιεί χρώμα σμάλτου καθώς δεν μπορούσε να αντέξει οικονομικά τις χρωστικές του καλλιτέχνη.) Τη δεκαετία του 1950 αναγνωρίστηκε ως ένας από τους ηγέτες του αφηρημένου εξπρεσιονισμού, αν και μερικοί καθαριστές του στιλ πίστευαν ότι τα έργα του (όπως του Γυναίκα σειρά) περιλαμβάνονται περιλαμβάνουν πάρα πολύ από την ανθρώπινη μορφή.

Οι πίνακες του περιέχουν πολλά στρώματα, στοιχεία επικαλυπτόμενα και κρυμμένα καθώς επεξεργάστηκε και επεξεργάστηκε ξανά έναν πίνακα. Επιτρέπονται οι αλλαγές. Σχεδίασε εκτενώς τους καμβάδες του σε κάρβουνο, για την αρχική σύνθεση και ζωγραφίζοντας. Το πινέλο του είναι χειρονομικό, εκφραστικό, άγριο, με αίσθηση ενέργειας πίσω από τις πινελιές. Η τελική ματιά στους πίνακες έγινε αλλά δεν ήταν.

Η καλλιτεχνική παραγωγή του Ντε Κουνίνγκ διήρκεσε σχεδόν επτά δεκαετίες και περιελάμβανε πίνακες ζωγραφικής, γλυπτά, σχέδια και εκτυπώσεις. Η τελική ζωγραφική του Πηγή στα τέλη της δεκαετίας του 1980. Οι πιο διάσημοι πίνακες του είναι Ροζ Άγγελοι (ντο. 1945), Ανασκαφή (1950), και το τρίτο του Γυναίκα σειρά (1950-53) με πιο ζωγραφικό στιλ και αυτοσχεδιαστική προσέγγιση. Τη δεκαετία του 1940 εργάστηκε ταυτόχρονα σε αφηρημένα και αντιπροσωπευτικά στυλ. Η ανακάλυψή του ήρθε με τις ασπρόμαυρες αφηρημένες συνθέσεις του 1948–49. Στα μέσα της δεκαετίας του 1950 ζωγράφισε τις αστικές αφαιρέσεις, επιστρέφοντας στη διαμόρφωση τη δεκαετία του 1960, στη συνέχεια στις μεγάλες αφαιρετικές χειρονομίες τη δεκαετία του 1970. Τη δεκαετία του 1980, ο de Kooning άλλαξε σε ομαλές επιφάνειες, υαλώνοντας με φωτεινά, διαφανή χρώματα πάνω σε θραύσματα χειρονομιών.

American Gothic - Grant Wood

Αμερικάνικο γκόθικ είναι ίσως ο πιο διάσημος από όλους τους πίνακες που δημιούργησε ο Αμερικανός καλλιτέχνης Grant Wood. Είναι τώρα στο Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο.

Ο Grant Wood ζωγράφισε το "American Gothic" το 1930. Απεικονίζει έναν άνδρα και την κόρη του (όχι τη γυναίκα του¹) στέκονται μπροστά από το σπίτι τους. Ο Γκραντ είδε το κτίριο που ενέπνευσε τη ζωγραφική στο Έλντον της Αϊόβα. Το αρχιτεκτονικό στιλ είναι αμερικανικό γοτθικό, όπου ο πίνακας παίρνει τον τίτλο του. Τα μοντέλα της ζωγραφικής ήταν η αδελφή του Wood και ο οδοντίατρος τους.². Ο πίνακας έχει υπογραφεί κοντά στο κάτω άκρο, στις φόρμες του άνδρα, με το όνομα του καλλιτέχνη και το έτος (Grant Wood 1930).

Τι σημαίνει ο πίνακας; Ο Wood σκόπευε να είναι μια αξιοπρεπής απόδοση του χαρακτήρα των Midwestern American, δείχνοντας την Puritan ηθική τους. Αλλά θα μπορούσε να θεωρηθεί ως ένα σχόλιο (σάτιρα) σχετικά με τη δυσανεξία των αγροτικών πληθυσμών στους ξένους. Ο συμβολισμός της ζωγραφικής περιλαμβάνει σκληρή εργασία (το γουρούνι) και οικιακή ζωή (γλάστρες και ποδιά αποικιακής εκτύπωσης). Αν κοιτάξετε προσεκτικά, θα δείτε τα τρία άκρα του αγριόχορτου να αντηχούν στη ραφή στις φόρμες του άνδρα, συνεχίζοντας τις ρίγες στο πουκάμισό του.

^{Πηγή:
Αμερικάνικο γκόθικ, Art Institute of Chicago, ανακτήθηκε στις 23 Μαρτίου 2011.}

"Χριστός του Αγίου Ιωάννη του Σταυρού" - Σαλβαδόρ Νταλί

Αυτός ο πίνακας από Σαλβαδόρ Νταλί είναι στη συλλογή του Πινακοθήκη και Μουσείο Kelvingrove Art στη Γλασκόβη της Σκωτίας. Πήγε για πρώτη φορά στη γκαλερί στις 23 Ιουνίου 1952. Ο πίνακας αγοράστηκε για £ 8.200, το οποίο θεωρήθηκε ως υψηλή τιμή παρόλο που περιλάμβανε τα πνευματικά δικαιώματα που επέτρεψαν στη γκαλερί να κερδίσει τέλη αναπαραγωγής (και να πουλήσει αμέτρητες καρτ-ποστάλ!).
Ήταν ασυνήθιστο για τον Ντάλι να πουλήσει τα πνευματικά δικαιώματα σε έναν πίνακα, αλλά χρειαζόταν τα χρήματα. (Τα πνευματικά δικαιώματα παραμένουν στον καλλιτέχνη εκτός εάν έχει υπογραφεί, δείτε Συνήθεις ερωτήσεις για τα πνευματικά δικαιώματα του καλλιτέχνη.)

"Προφανώς σε οικονομικές δυσκολίες, ο Ντάλι αρχικά ζήτησε 12.000 £ αλλά μετά από σκληρές διαπραγματεύσεις... το πούλησε για σχεδόν το ένα τρίτο λιγότερο και υπέγραψε επιστολή προς την πόλη [της Γλασκόβης] το 1952 παραχωρώντας πνευματικά δικαιώματα.

Ο τίτλος του πίνακα είναι μια αναφορά στο σχέδιο που ενέπνευσε τον Ντάλι. Το σχέδιο με στυλό και μελάνι έγινε μετά από ένα όραμα που είχε ο Άγιος Ιωάννης του Σταυρού (ένας Ισπανός Καρμελίτης, 1542–1591) στο οποίο είδε τη σταύρωση του Χριστού σαν να το κοίταζε από ψηλά. Η σύνθεση είναι εντυπωσιακή για την ασυνήθιστη άποψη της σταύρωσης του Χριστού, ο φωτισμός είναι δραματικός σκιές, και εξαιρετική χρήση από πρόωρη στο σχήμα. Το τοπίο στο κάτω μέρος του πίνακα είναι το λιμάνι της πατρίδας του Νταλί, Port Lligat στην Ισπανία.
Ο πίνακας ήταν αμφιλεγόμενος με πολλούς τρόπους: το ποσό που πληρώθηκε για αυτό. το αντικείμενο · το στυλ (που εμφανίστηκε ρετρό και όχι μοντέρνο). Διαβάστε περισσότερα για τη ζωγραφική στον ιστότοπο της γκαλερί.

Πηγή:
"Σουρεαλιστική περίπτωση των εικόνων του Νταλί και μια μάχη για την καλλιτεχνική άδεια"από τον Severin Carrell, Ο κηδεμόνας, 27 Ιανουαρίου 2009

Campbell's Soup Cans - Andy Warhol

Λεπτομέρεια από τον Andy Warhol Δοχεία σούπας Campbell. Ακρυλικό σε καμβά. 32 πίνακες το καθένα 20x16 "(50.8x40.6cm). Στη συλλογή του Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης (MoMA) στη Νέα Υόρκη.
Ο Γουόρχολ εξέθεσε για πρώτη φορά τη σειρά του από πίνακες ζωγραφικής σούπας Campbell το 1962, με το κάτω μέρος κάθε ζωγραφικής να στηρίζεται σε ένα ράφι όπως ένα κουτί σε ένα σούπερ μάρκετ. Υπάρχουν 32 πίνακες ζωγραφικής στη σειρά, ο αριθμός των ποικιλιών σούπας που πωλούνται τότε από την Campbell's.
Αν φανταζόσασταν τον Γουόρχολ να εφοδιάζει το ντουλάπι του με κουτάκια σούπας, τότε να φάει ένα κουτί καθώς είχε τελειώσει τη ζωγραφική, καλά δεν φαίνεται. Σύμφωνα με τον ιστότοπο της Moma, ο Warhol χρησιμοποίησε μια λίστα προϊόντων από την Campbell's για να αποδώσει μια διαφορετική γεύση σε κάθε πίνακα.
Όταν ρωτήθηκε για αυτό, ο Warhol είπε:

«Το έπινα. Συνήθιζα να έχω το ίδιο γεύμα κάθε μέρα, για είκοσι χρόνια, υποθέτω, το ίδιο πράγμα ξανά και ξανά. "¹

Ο Warhol επίσης προφανώς δεν είχε παραγγελία που ήθελε να εμφανιστούν οι πίνακες. Η Moma εμφανίζει τους πίνακες "σε σειρές που αντικατοπτρίζουν τη χρονολογική σειρά με την οποία εισήχθησαν [οι σούπες], ξεκινώντας με το" Tomato "στην επάνω αριστερή πλευρά, που έκανε το ντεμπούτο του το 1897."

Αν λοιπόν ζωγραφίσετε μια σειρά και θέλετε να εμφανίζονται με συγκεκριμένη σειρά, βεβαιωθείτε ότι έχετε σημειώσει αυτό κάπου. Το πίσω άκρο των καμβών είναι πιθανώς το καλύτερο, καθώς δεν θα χωριστεί από τον πίνακα (αν και μπορεί να κρυφτεί εάν οι πίνακες είναι πλαισιωμένοι).
Ο Warhol είναι καλλιτέχνης που συχνά αναφέρεται από ζωγράφους που θέλουν να κάνουν παράγωγα έργα. Δύο πράγματα πρέπει να σημειωθούν πριν κάνετε παρόμοια πράγματα:

1. Επί Ιστοσελίδα της Moma, υπάρχει μια ένδειξη άδειας από την Campbell's Soup Co (δηλαδή, μια συμφωνία αδειοδότησης μεταξύ της εταιρείας σούπας και του κτήματος του καλλιτέχνη).
2. Η επιβολή πνευματικών δικαιωμάτων φαίνεται να ήταν λιγότερο θέμα κατά την εποχή του Warhol. Μην κάνετε υποθέσεις πνευματικών δικαιωμάτων με βάση το έργο του Warhol. Κάντε την έρευνά σας και αποφασίστε ποιο είναι το επίπεδο ανησυχίας σας σχετικά με μια πιθανή περίπτωση παραβίασης πνευματικών δικαιωμάτων.

Ο Κάμπελ δεν ανέθεσε στον Γουόρχολ να κάνει τα έργα ζωγραφικής (αν και ανέθεσε στη συνέχεια έναν για έναν συνταξιούχο πρόεδρο του διοικητικού συμβουλίου το 1964) και είχε ανησυχίες όταν η μάρκα εμφανίστηκε στους πίνακες του Warhol το 1962, υιοθετώντας μια προσέγγιση αναμονής για να κρίνει ποια ήταν η απάντηση στο ΠΙΝΑΚΕΣ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗΣ. Το 2004, το 2006 και το 2012, η ​​Campbell πούλησε κουτιά με ειδικές αναμνηστικές ετικέτες του Warhol.

<sub>Πηγή:
1. Όπως αναφέρεται στο Μαμά, στις 31 Αυγούστου 2012.</sub>

Μεγαλύτερα δέντρα κοντά στο Warter - David Hockney

Μπλουζα: Ο καλλιτέχνης David Hockney στέκεται δίπλα σε ένα μέρος της ελαιογραφίας του "Bigger Trees Near Warter", το οποίο έδωσε στον Tate Britain τον Απρίλιο του 2008.
Κάτω μέρος: Ο πίνακας εκτέθηκε για πρώτη φορά στη θερινή έκθεση του 2007 στη Βασιλική Ακαδημία του Λονδίνου, σε ολόκληρο τον τοίχο.
Η ελαιογραφία του David Hockney "Bigger Trees Near Warter" (ονομάζεται επίσης Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) απεικονίζει μια σκηνή κοντά στο Μπρίλινγκτον στο Γιορκσάιρ. Ο πίνακας από 50 καμβά τοποθετημένους το ένα δίπλα στο άλλο. Προστέθηκε μαζί, το συνολικό μέγεθος του πίνακα είναι 40x15 πόδια (4,6x12 μέτρα).
Τη στιγμή που ο Hockney το ζωγράφιζε, ήταν το μεγαλύτερο κομμάτι που είχε ολοκληρώσει ποτέ, αν και όχι το πρώτο που είχε δημιουργήσει χρησιμοποιώντας πολλαπλούς καμβά.

" Το έκανα γιατί συνειδητοποίησα ότι μπορούσα να το κάνω χωρίς σκάλα. Όταν ζωγραφίζετε πρέπει να μπορείτε να κάνετε πίσω. Λοιπόν, υπάρχουν καλλιτέχνες που έχουν σκοτωθεί μετά από σκάλες, έτσι δεν είναι;"
- Ο Hockney αναφέρεται στο α Ρότερ έκθεση ειδήσεων, 7 Απριλίου 2008.

Ο Hockney χρησιμοποίησε σχέδια και έναν υπολογιστή για να βοηθήσει στη σύνθεση και τη ζωγραφική. Μετά την ολοκλήρωση μιας ενότητας, τραβήχτηκε μια φωτογραφία για να δει ολόκληρη τη ζωγραφική στον υπολογιστή.

"Πρώτον, ο Hockney σχεδίασε ένα πλέγμα που δείχνει πώς η σκηνή ταιριάζει μαζί σε πάνω από 50 πάνελ. Στη συνέχεια άρχισε να εργάζεται επί τόπου μεμονωμένα πάνελ. Καθώς δούλευε πάνω τους, φωτογραφήθηκαν και μετατράπηκαν σε μωσαϊκό υπολογιστή, ώστε να καταγράψει την πρόοδό του, καθώς θα μπορούσε να έχει μόνο έξι πάνελ στον τοίχο κάθε στιγμή. "

Πηγή:
Σάρλοτ Χίγκινς, Κηδεμόνας ανταποκριτής τεχνών, Ο Hockney προσφέρει τεράστια δουλειά στον Tate, 7 Απριλίου 2008.

Πολεμικοί πίνακες του Χένρι Μουρ

ο Έκθεση Henry Moore στην Πινακοθήκη Tate Britain στο Λονδίνο από τις 24 Φεβρουαρίου έως τις 8 Αυγούστου 2010.

Ο Βρετανός καλλιτέχνης Χένρι Μουρ είναι ο πιο διάσημος για τα γλυπτά του, αλλά επίσης γνωστός για το μελάνι, το κερί και το υδατογραφίες ανθρώπων που καταφεύγουν στους υπόγειους σταθμούς του Λονδίνου κατά τη διάρκεια του Β 'Παγκοσμίου Πολέμου. Ο Μουρ ήταν επίσημος καλλιτέχνης του πολέμου και το 2010 Έκθεση Henry Moore στο Tate Britain Gallery υπάρχει ένα δωμάτιο αφιερωμένο σε αυτά. Φτιαγμένο μεταξύ του φθινοπώρου του 1940 και του καλοκαιριού του 1941, οι απεικονίσεις του για ύπνο φιγούρες συσσωρεύτηκαν στο τρένο Οι σήραγγες κατέλαβαν μια αίσθηση αγωνίας που μετέτρεψε τη φήμη του και επηρέασε τη λαϊκή αντίληψη του Αιφνιδιαστική επίθεση. Το έργο του της δεκαετίας του 1950 αντικατοπτρίζει το επακόλουθο του πολέμου και την προοπτική περαιτέρω σύγκρουσης.
Ο Μουρ γεννήθηκε στο Γιορκσάιρ και σπούδασε στη Σχολή Τέχνης του Λιντς το 1919, αφού υπηρέτησε στον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο. Το 1921 κέρδισε υποτροφία στο Royal College του Λονδίνου. Δίδαξε αργότερα στο Royal College καθώς και στο Chelsea School of Art. Από το 1940 ο Moore έζησε στο Perry Green στο Hertfordshire, τώρα σπίτι του Ίδρυμα Henry Moore. Στη Μπιενάλε της Βενετίας του 1948, ο Μουρ κέρδισε το Διεθνές Βραβείο Γλυπτικής.

"Frank" - Τσακ Κλείσιμο

"Frank" από τον Chuck Close, 1969. Ακρυλικό σε καμβά. Μέγεθος 108 x 84 x 3 ίντσες (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). Στο Ινστιτούτο Τέχνης της Μινεάπολης.

Αυτοπροσωπογραφία και φωτογραφία πορτρέτου Lucian Freud

Ο καλλιτέχνης Λούσιαν Φρόιντ φημίζεται για το έντονο, αδιάφορο βλέμμα του, αλλά όπως δείχνει αυτό το αυτοπροσωπογραφία, το γυρίζει στον εαυτό του, όχι μόνο στα μοντέλα του.

1. "Νομίζω ότι ένα υπέροχο πορτρέτο έχει να κάνει με... το συναίσθημα και την ατομικότητα και την ένταση του σεβασμού και την εστίαση στο συγκεκριμένο. " ¹
2. "... πρέπει να προσπαθήσεις να ζωγραφίσεις τον εαυτό σου ως άλλο άτομο. Με την αυτοπροσωπογραφία, η «ομοιότητα» γίνεται διαφορετικό. Πρέπει να κάνω αυτό που νιώθω χωρίς να είμαι εξπρεσιονιστής. " ²

<sup>Πηγή:
1. Lucian Freud, αναφέρεται στο Freud at Work σελ. 32-3. 2. Ο Lucian Freud παρατίθεται στο Lucian Freud από τον William Feaver (Tate Publishing, London 2002), σελ. 43.</sup>

"Ο πατέρας της Μόνα Λίζα" - Man Ray

«Ο πατέρας της Μόνα Λίζα» του Man Ray, 1967. Αναπαραγωγή σχεδίου τοποθετημένη σε ινοσανίδες, με προσθήκη πούρου. Μέγεθος 18 x 13 5/8 x 2 5/8 ίντσες (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). Στη συλλογή του Μουσείο Hirshorn.
Πολλοί άνθρωποι συνδέουν τον Man Ray μόνο με τη φωτογραφία, αλλά ήταν επίσης καλλιτέχνης και ζωγράφος. Ήταν φίλος με τον καλλιτέχνη Marcel Duchamp και συνεργάστηκε μαζί του.
Τον Μάιο του 1999, Νέα τέχνης Το περιοδικό συμπεριέλαβε τον Man Ray στον κατάλογο των 25 πιο σημαντικών καλλιτεχνών του 20ού αιώνα, για τη φωτογραφία και τις «εξερευνήσεις ταινιών, ζωγραφικής, γλυπτικής, κολάζ, συγκροτήματος. Αυτά τα πρωτότυπα θα αποκαλούνται τελικά τέχνη παράστασης και εννοιολογική τέχνη. "

Η Art News είπε:

"Ο Man Ray προσέφερε στους καλλιτέχνες σε όλα τα μέσα ένα παράδειγμα δημιουργικής νοημοσύνης που, στην« επιδίωξη της ευχαρίστησης και της ελευθερίας »[δηλωμένη καθοδήγηση του Man Ray αρχές] ξεκλείδωναν κάθε πόρτα στην οποία ήρθε και περπατούσε ελεύθερα όπου θα μπορούσε. "(Quote Source: Art News, Μάιος 1999," Willful Provocateur "του AD Coleman.)

Αυτό το κομμάτι, "Ο πατέρας της Μόνα Λίζα", δείχνει πώς μια σχετικά απλή ιδέα μπορεί να είναι αποτελεσματική. Το δύσκολο μέρος έρχεται πρώτα με την ιδέα. μερικές φορές έρχονται ως λάμψη έμπνευσης. μερικές φορές ως μέρος της ανταλλαγής ιδεών για ιδέες? μερικές φορές αναπτύσσοντας και ακολουθώντας μια ιδέα ή σκέψη.

Διάσημοι ζωγράφοι: Yves Klein

Αναδρομικός: Έκθεση Yves Klein στο Μουσείο Hirshhorn στην Ουάσιγκτον, ΗΠΑ, από τις 20 Μαΐου 2010 έως τις 12 Σεπτεμβρίου 2010.

Ο καλλιτέχνης Yves Klein είναι πιθανώς ο πιο διάσημος για τα μονοχρωματικά του έργα τέχνης με το ιδιαίτερο μπλε του (βλ. Για παράδειγμα "Ζωγραφική πινέλου"). Το IKB ή το International Klein Blue είναι ένα υπεραμαρινικό μπλε που διατύπωσε.

Αποκαλώντας τον εαυτό του «ζωγράφο του χώρου», ο Klein επιδίωξε να επιτύχει άυλη πνευματικότητα μέσω καθαρού χρώματος »και ασχολήθηκε με τις« σύγχρονες έννοιες της εννοιολογικής φύσης της τέχνης »¹.

Ο Klein είχε μια σχετικά σύντομη καριέρα, λιγότερο από δέκα χρόνια. Το πρώτο του δημόσιο έργο ήταν ένα βιβλίο καλλιτέχνη Yves Peintures ("Yves Paintings"), που δημοσιεύθηκε το 1954. Η πρώτη του δημόσια έκθεση ήταν το 1955. Πέθανε από καρδιακή προσβολή το 1962, σε ηλικία 34 ετών. (Χρονοδιάγραμμα της ζωής του Klein από το Αρχεία Yves Klein.)

<sub>Πηγή:
1. Yves Klein: With the Void, Full Powers, Μουσείο Hirshhorn, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, στις 13 Μαΐου 2010.</sub>

"Ζωντανό πινέλο" - Yves Klein

Αυτός ο πίνακας του Γάλλου καλλιτέχνη Yves Klein (1928-1962) είναι μία από τις σειρές που χρησιμοποίησε "ζωντανά πινέλα". Καλύπτει γυμνά γυναικεία μοντέλα με το μπλε χρώμα του (International) Klein Blue, IKB) και στη συνέχεια σε ένα έργο τέχνης μπροστά σε ένα κοινό "ζωγραφισμένο" μαζί τους σε μεγάλα φύλλα χαρτιού, κατευθύνοντάς τα προφορικά.
Ο τίτλος "ANT154" προέρχεται από ένα σχόλιο που έκανε ένας κριτικός τέχνης, Pierre Restany, που περιγράφει το πίνακες που παράγονται ως "ανθρωπομετρίες της μπλε περιόδου". Ο Klein χρησιμοποίησε το ακρωνύμιο ANT ως σειρά τίτλος.

Μαύρη ζωγραφική - Ad Reinhardt

«Υπάρχει κάτι λάθος, ανεύθυνο και ανόητο για το χρώμα. κάτι αδύνατο να ελεγχθεί. Ο έλεγχος και ο ορθολογισμός είναι μέρος της ηθικής μου. " - Ad Reinhard το 1960 ¹

Αυτή η μονόχρωμη ζωγραφική από τον Αμερικανό καλλιτέχνη Ad Reinhardt (1913-1967) βρίσκεται στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης (Moma) στη Νέα Υόρκη. Είναι 60x60 "(152.4x152.4cm), λάδι σε καμβά και βάφτηκε 1960-61. Για την τελευταία δεκαετία και λίγο από τη ζωή του (πέθανε το 1967), ο Ρέινχαρντ χρησιμοποίησε μόνο τους μαύρους πίνακες του.
Έιμι Σια, ο οποίος πήρε τη φωτογραφία, λέει ότι ο κλητήρας επισημαίνει πώς ο πίνακας χωρίζεται σε εννέα τετράγωνα, το καθένα διαφορετική απόχρωση μαύρου.
Μην ανησυχείτε αν δεν μπορείτε να το δείτε στη φωτογραφία. Είναι δύσκολο να το δεις ακόμα και όταν είσαι μπροστά στον πίνακα. Μέσα της δοκίμιο για τον Reinhardt για το Guggenheim, η Nancy Spector περιγράφει τους καμβάδες του Reinhardt ως "σιωπηλές μαύρες πλατείες που περιέχουν μόλις διακριτά σταυροειδή σχήματα [που] προκαλούν τα όρια της ορατότητας" ².
<sup>Πηγή:
1. Χρώμα σε Art από τον John Gage, σελ. 205
2. Reinhardt by Nancy Spector, Μουσείο Guggenheim (Πρόσβαση στις 5 Αυγούστου 2013)</sup>

Η ζωγραφική του John Virtue's London

Ο Βρετανός καλλιτέχνης John Virtue ζωγράφισε αφαιρεμένα τοπία με ασπρόμαυρο μόνο από το 1978. Σε ένα DVD που παράγεται από την Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου, ο Virtue λέει ότι δουλεύοντας σε ασπρόμαυρο τον αναγκάζει «να είναι εφευρετικός… να ανακαλύψει εκ νέου» Το χρώμα της αποφυγής "βαθαίνει η αίσθηση μου για το τι χρώμα υπάρχει… Η αίσθηση του πραγματικά αυτού που βλέπω… είναι καλύτερη και με μεγαλύτερη ακρίβεια και πιο σωστή μεταβίβαση από το να μην έχω παλέτα λαδιού χρώμα. Το χρώμα θα ήταν ένα αδιέξοδο. "
Αυτός είναι ένας από τους πίνακες του John Virtue στο Λονδίνο, που έγινε ενώ ήταν συνεργάτης καλλιτέχνης στην Εθνική Πινακοθήκη (από το 2003 έως το 2005). ο Ιστοσελίδα της Εθνικής Πινακοθήκης περιγράφει τους πίνακες της Virtue ως «συγγένεια με ανατολίτικο πινέλο και αμερικανικό αφηρημένο εξπρεσιονισμό» και σχετίζεται στενά με το «μεγάλο αγγλικό ζωγράφοι τοπίου, Turner και Constable, τους οποίους η Virtue θαυμάζει πάρα πολύ ", καθώς επηρεάζεται από τα" ολλανδικά και φλαμανδικά τοπία των Ruisdael, Koninck και Rubens ".
Ο αρετής δεν δίνει τίτλους στους πίνακές του, μόνο αριθμούς. Σε συνέντευξη στο τεύχος του Απριλίου 2005 του Καλλιτέχνης και εικονογράφοι περιοδικό, Virtue λέει ότι άρχισε να αριθμεί το έργο του χρονολογικά το 1978 όταν άρχισε να εργάζεται σε μονόχρωμη:

"Δεν υπάρχει ιεραρχία. Δεν έχει σημασία αν είναι 28 πόδια ή τρεις ίντσες. Είναι ένα μη λεκτικό ημερολόγιο της ύπαρξής μου. "

Οι πίνακες του ονομάζονται απλώς "Τοπίο Νο. 45" ή "Τοπίο Νο. 630" και ούτω καθεξής.

The Art Bin - Μάικλ Λάντι

Η έκθεση Art Bin του καλλιτέχνη Michael Landy πραγματοποιήθηκε στο Γκαλερί του Νότιου Λονδίνου από 29 Ιανουαρίου έως 14 Μαρτίου 2010. Η ιδέα είναι τεράστια (600μ³) κάδο απορριμμάτων ενσωματωμένο στο χώρο της γκαλερί, στον οποίο πετάγεται η τέχνη, "μνημείο δημιουργικής αποτυχίας"¹.
Όχι όμως οποιαδήποτε παλιά τέχνη. έπρεπε να υποβάλετε αίτηση για να ρίξετε την τέχνη σας στον κάδο, είτε online είτε στη γκαλερί, με τον Michael Landy ή έναν από τους εκπροσώπους του να αποφασίσει εάν θα μπορούσε να συμπεριληφθεί ή όχι. Εάν γίνει αποδεκτό, ρίχτηκε στον κάδο από έναν πύργο στο ένα άκρο.

Όταν ήμουν στην έκθεση, ρίχτηκαν αρκετά κομμάτια και το άτομο που έκανε την πετάξει πολλή πρακτική από τον τρόπο που κατάφερε να κάνει μια ζωγραφική να γλιστρήσει δεξιά στην άλλη πλευρά του δοχείο.
Η ερμηνεία της τέχνης κατευθύνεται προς το πότε / γιατί η τέχνη θεωρείται καλή (ή σκουπίδια), η υποκειμενικότητα στο αξία που αποδίδεται στην τέχνη, η πράξη της συλλογής τέχνης, η δύναμη των συλλεκτών τέχνης και των γκαλερί να δημιουργούν ή να σπάνε καλλιτέχνες καριέρα.

Σίγουρα ήταν ενδιαφέρον να περπατάμε κατά μήκος των πλευρών κοιτάζοντας τι είχε πετάξει, τι είχε σπάσει (πολλά κομμάτια πολυστυρολίου) και τι δεν είχε (οι περισσότεροι πίνακες σε καμβά ήταν ολόκληροι). Κάπου στο κάτω μέρος, υπήρχε μια μεγάλη εκτύπωση κρανίου διακοσμημένη με γυαλί από τον Damien Hirst και ένα κομμάτι του Tracey Emin. Τελικά, αυτό που θα μπορούσε να είναι ανακυκλωμένο (για παράδειγμα χαρτί και καμβά φορείο) και τα υπόλοιπα προορίζονται να πάνε σε χώρους υγειονομικής ταφής. Θαμμένος ως σκουπίδια, απίθανο να σκάψει αιώνες από τώρα από έναν αρχαιολόγο.

_{Πηγή:
1&2. # Μάικλ Λάντι: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), ιστότοπος της Γκαλερί South London, με πρόσβαση στις 13 Μαρτίου 2010.}

Μπαράκ Ομπάμα - Shepard Fairey

Αυτός ο πίνακας του αμερικανικού πολιτικού Μπαράκ Ομπάμα, κολάζ με διάτρητα μέσα, δημιουργήθηκε από καλλιτέχνη του δρόμου με έδρα το Λος Άντζελες, Shepard Fairey. Ήταν η κεντρική εικόνα πορτρέτου που χρησιμοποιήθηκε στην προεκλογική προεκλογική εκστρατεία του Ομπάμα το 2008 και διανεμήθηκε ως έντυπη και δωρεάν λήψη περιορισμένης έκδοσης. Βρίσκεται τώρα στην Εθνική Πινακοθήκη στο Washington DC.

1. "Για να δημιουργήσει την αφίσα του Ομπάμα (την οποία έκανε σε λιγότερο από μία εβδομάδα), ο Φάιρι άρπαξε μια φωτογραφία ειδήσεων του υποψηφίου από το Διαδίκτυο. Αναζήτησε έναν Ομπάμα που φαινόταν προεδρικός... Ο καλλιτέχνης στη συνέχεια απλοποίησε τις γραμμές και τη γεωμετρία, χρησιμοποιώντας μια κόκκινη, λευκή και μπλε πατριωτική παλέτα (με την οποία παίζει κάνοντας το λευκό μπεζ και το μπλε μια παστέλ απόχρωση)... έντονες λέξεις ...
2. "Οι αφίσες του Ομπάμα (και πολλά από τα εμπορικά και έργα τέχνης του) είναι αναδιατύπωση των τεχνικών του επαναστατικοί προπαγανδιστές - τα φωτεινά χρώματα, τολμηρά γράμματα, γεωμετρική απλότητα, ηρωικές πόζες. "

Πηγή: ​
"Η υποστήριξη του Ομπάμα στον τοίχο" από τον William Booth, Washington Post 18 Μαΐου 2008.

"Requiem, White Roses and Butterflies" - Damien Hirst

Ο Βρετανός καλλιτέχνης Damien Hirst είναι ο πιο διάσημος για τα ζώα του που διατηρούνται στη φορμαλδεΰδη, αλλά στις αρχές της δεκαετίας του '40 επέστρεψε στην ελαιογραφία. Τον Οκτώβριο του 2009 παρουσίασε έργα ζωγραφικής που δημιουργήθηκαν από το 2006 έως το 2008 για πρώτη φορά στο Λονδίνο. Αυτό είναι ένα παράδειγμα μιας μη διάσημης ζωγραφικής από έναν διάσημο καλλιτέχνη προέρχεται από τη δική του έκθεση στη Συλλογή Wallace στο Λονδίνο με τίτλο "No Love Lost". (Ημερομηνίες: 12 Οκτωβρίου 2009 έως 24 Ιανουαρίου 2010.)
Ειδήσεις BBC ανέφερε ο Hirst.

«Τώρα ζωγραφίζει αποκλειστικά με το χέρι», ότι για δύο χρόνια οι «πίνακές του» ήταν ενοχλητικοί και δεν ήθελα καθένας να έρθει. "και ότι" έπρεπε να ξαναμάθει να ζωγραφίζει για πρώτη φορά από τότε που ήταν εφηβική τέχνη μαθητης σχολειου."¹

Το δελτίο τύπου που συνοδεύει την έκθεση Wallace είπε:

Το «Blue Paintings» μαρτυρεί μια τολμηρή νέα κατεύθυνση στο έργο του. μια σειρά από πίνακες που, με τα λόγια του καλλιτέχνη, είναι «βαθιά συνδεδεμένοι με το παρελθόν».

Η τοποθέτηση χρωμάτων σε καμβά είναι σίγουρα μια νέα κατεύθυνση για τον Hirst και, όπου πηγαίνει ο Hirst, οι μαθητές τέχνης είναι πιθανό να ακολουθήσουν. Η ελαιογραφία θα μπορούσε να γίνει πάλι μοντέρνα.
Ο οδηγός του About.com για το London Travel, Laura Porter, πήγε στην προεπισκόπηση τύπου της έκθεσης του Hirst και πήρε μια απάντηση στο ένα ερώτημα που ήθελα να μάθω: Τι μπλε χρωστικές χρησιμοποιεί;

Η Λόρα είπε ότι ήταν "κυανούν χρώμα για όλους εκτός από έναν από τους 25 πίνακες, ο οποίος είναι μαύρος. "Δεν είναι περίεργο που είναι τόσο σκούρο, καμμένος μπλε!
Κριτικός τέχνης Adrian Searle του Ο κηδεμόνας δεν ήταν πολύ ευνοϊκός για τους πίνακες του Hirst:

"Στη χειρότερη περίπτωση, το σχέδιο του Hirst μοιάζει ερασιτεχνικό και εφηβικό. Το πινέλο του λείπει από αυτό το πνεύμα και το πνεύμα που σε κάνει να πιστεύεις στα ψέματα του ζωγράφου. Δεν μπορεί ακόμα να το μεταφέρει. "²

<sub>Πηγή:
1 Ο Hirst «δίνει τα τουρσί», BBC News, 1 Οκτωβρίου 2009
2. "Τα έργα ζωγραφικής του Damien Hirst είναι θανατηφόρα θαμπά, "Adrian Searle, Κηδεμόνας, 14 Οκτωβρίου 2009.</sub>

Διάσημοι καλλιτέχνες: Antony Gormley

Ο Antony Gormley είναι Βρετανός καλλιτέχνης ίσως ο πιο διάσημος για το γλυπτό του Angel of the North, που παρουσιάστηκε το 1998. Βρίσκεται στο Tyneside, στη βορειοανατολική Αγγλία, σε μια τοποθεσία που ήταν κάποτε κολάρι, σας καλωσορίζει με τα φτερά των 54 μέτρων.
Τον Ιούλιο του 2009, το έργο τέχνης της εγκατάστασης του Γκόρμλεϊ στον τέταρτο πλίνθο στην πλατεία Τραφάλγκαρ στο Λονδίνο είδε έναν εθελοντή να στέκεται για μια ώρα στον πλίνθο, 24 ώρες την ημέρα, για 100 ημέρες. Σε αντίθεση με τους άλλους πλίνθους στην πλατεία Τραφάλγκαρ, ο τέταρτος πλίνθος ακριβώς έξω από την Εθνική Πινακοθήκη, δεν έχει μόνιμο άγαλμα πάνω του. Μερικοί από τους συμμετέχοντες ήταν οι ίδιοι καλλιτέχνες και σκιαγράφησαν την ασυνήθιστη άποψη τους (φωτογραφία).
Ο Antony Gormley γεννήθηκε το 1950 στο Λονδίνο. Σπούδασε σε διάφορα κολέγια στο Ηνωμένο Βασίλειο και στο Βουδισμό στην Ινδία και τη Σρι Λάνκα, πριν επικεντρωθεί στη γλυπτική στο Slade School of Art στο Λονδίνο μεταξύ 1977 και 1979. Η πρώτη του ατομική έκθεση πραγματοποιήθηκε στο Whitechapel Art Gallery το 1981. Το 1994 ο Gormley κέρδισε το βραβείο Turner με το "Field for the British Isles".
Η βιογραφία του πάνω του δικτυακός τόπος λέει:

... Ο Antony Gormley έχει αναζωογονήσει την ανθρώπινη εικόνα στη γλυπτική μέσω μιας ριζοσπαστικής διερεύνησης του σώματος ως τόπου μνήμης και μετασχηματισμού, χρησιμοποιώντας το δικό του σώμα ως αντικείμενο, εργαλείο και υλικό. Από το 1990 έχει επεκτείνει την ανησυχία του με την ανθρώπινη κατάσταση για να εξερευνήσει το συλλογικό σώμα και τη σχέση μεταξύ του εαυτού και των άλλων σε εγκαταστάσεις μεγάλης κλίμακας ...

Ο Γκόρμλεϋ δεν δημιουργεί το είδος της φιγούρας που κάνει επειδή δεν μπορεί να κάνει αγάλματα παραδοσιακού στιλ. Μάλλον παίρνει ευχαρίστηση από τη διαφορά και την ικανότητα που μας δίνουν να τις ερμηνεύσουμε. Σε μια συνέντευξη με Οι καιροί¹, αυτός είπε:

"Τα παραδοσιακά αγάλματα δεν αφορούν στο δυναμικό, αλλά σε κάτι που είναι ήδη πλήρες. Έχουν μια ηθική εξουσία που είναι καταπιεστική παρά συνεργατική. Τα έργα μου αναγνωρίζουν το κενό τους. "

^{Πηγή:
Antony Gormley, ο άνθρωπος που έσπασε το καλούπι από τον John-Paul Flintoff, The Times, 2 Μαρτίου 2008.}

Διάσημοι Σύγχρονοι Βρετανοί ζωγράφοι

Από αριστερά προς τα δεξιά, οι καλλιτέχνες Bob και Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Πίτερ Μπλέικκαι ο Άλισον Γουατ.
Η περίσταση ήταν μια προβολή του πίνακα Diana και Actaeon από τον Titian (αόρατο, αριστερά) στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου, με σκοπό τη συγκέντρωση χρημάτων για την αγορά του πίνακα ζωγραφικής.

Διάσημοι καλλιτέχνες: Lee Krasner και Jackson Pollock

Από αυτούς τους δύο ζωγράφους, Τζάκσον Πόλοκ είναι πιο διάσημος από τον Lee Krasner, αλλά χωρίς την υποστήριξη και την προώθηση του έργου τέχνης του, μπορεί κάλλιστα να μην έχει τη θέση στο χρονοδιάγραμμα τέχνης που κάνει. Και οι δύο ζωγράφισαν σε ένα αφηρημένο εξπρεσιονιστικό στυλ. Η Κράσνερ αγωνίστηκε για την κριτική της από μόνη της, αντί να θεωρείται απλώς ως σύζυγος του Πολόκ. Ο Krasner άφησε μια κληρονομιά για να δημιουργήσει το Ίδρυμα Pollock-Krasner, που δίνει επιχορηγήσεις σε εικαστικούς καλλιτέχνες.

Σκάλα Easel του Louis Aston Knight

Ο Louis Aston Knight (1873-1948) ήταν αμερικανός καλλιτέχνης γεννημένος στο Παρίσι, γνωστός για τους πίνακες του τοπίου. Αρχικά εκπαιδεύτηκε υπό τον πατέρα του καλλιτέχνη, Daniel Ridgway Knight. Έκθεσε στο Γαλλικό Σαλόνι για πρώτη φορά το 1894 και συνέχισε να το κάνει καθ 'όλη τη διάρκεια της ζωής του, κερδίζοντας παράλληλα την αναγνώριση στην Αμερική. Η ζωγραφική του Η μεταλαμπή αγοράστηκε το 1922 από τον Πρόεδρο των ΗΠΑ Warren Harding για τον Λευκό Οίκο.
Αυτή η φωτογραφία από το Αρχεία Αμερικανικής Τέχνης, δυστυχώς, δεν μας δίνει μια τοποθεσία, αλλά πρέπει να σκεφτείτε ότι οποιοσδήποτε καλλιτέχνης θέλει να περάσει το νερό με τη σκάλα και τα χρώματα του ήταν είτε πολύ αφιερωμένο στην παρατήρηση της φύσης ή αρκετά θεατρώνης.

1897: Μια τάξη τέχνης γυναικών

Αυτή η φωτογραφία από το 1897 από το Αρχεία Αμερικανικής Τέχνης δείχνει ένα γυναικείο μάθημα τέχνης με τον εκπαιδευτή William Merritt Chase. Σε εκείνη την εποχή, άνδρες και γυναίκες παρακολούθησαν μαθήματα τέχνης ξεχωριστά, όπου, λόγω των καιρών, οι γυναίκες ήταν αρκετά τυχερές που μπορούσαν να αποκτήσουν καθόλου τέχνη.

Σχολείο Θερινής Τέχνης περίπου 1900

Οι μαθητές τέχνης στα καλοκαιρινά μαθήματα της Σχολής Καλών Τεχνών του Αγίου Παύλου, Mendota, Μινεσότα, φωτογραφήθηκαν το 1900 με τον δάσκαλο Burt Harwood.
Πέρα από τη μόδα, τα μεγάλα sunhats είναι πολύ πρακτικά ζωγραφική σε εξωτερικούς χώρους καθώς κρατά τον ήλιο έξω από τα μάτια σας και σταματά το πρόσωπό σας να καίγεται (όπως και μια μακρυμάνικη κορυφή).

"Το πλοίο του Νέλσον σε ένα μπουκάλι" - Yinka Shonibar

Μερικές φορές είναι μια κλίμακα έργου τέχνης που του δίνει δραματικό αντίκτυπο, πολύ περισσότερο από το θέμα. Το "Nelson's Ship in a Bottle" της Yinka Shonibar είναι ένα τέτοιο κομμάτι.

Το "Nelson's Ship in a Bottle" του Yinka Shonibar είναι ένα πλοίο ύψους 2,35 μέτρων μέσα σε ένα ακόμη ψηλότερο μπουκάλι. Είναι ένα αντίγραφο κλίμακας 1:29 της ναυαρχίδας του Αντιναύαρχου Νέλσον, HMS Νίκη.
Το "Nelson Ship in a Bottle" εμφανίστηκε στον τέταρτο πλίνθο στην πλατεία Τραφάλγκαρ στο Λονδίνο στις 24 Μαΐου 2010. Ο τέταρτος πλίνθος έμεινε άδειος από το 1841 έως το 1999, όταν η πρώτη από μια συνεχιζόμενη σειρά σύγχρονων έργων τέχνης, ανατέθηκε ειδικά για τον πλίνθο από το Ομάδα τεσσάρων πινάκων ανάθεσης.
Το έργο τέχνης πριν από το "Nelson's Ship in a Bottle" ήταν το One & Other του Antony Gormley, στο οποίο ένα διαφορετικό άτομο βρισκόταν στον πλίνθο για μια ώρα, όλο το εικοσιτετράωρο, για 100 ημέρες.
Από το 2005 έως το 2007 θα μπορούσατε να δείτε ένα γλυπτό του Marc Quinn, Alison Lapper Έγκυος, και από τον Νοέμβριο του 2007 ήταν μοντέλο για ένα ξενοδοχείο 2007 από τον Thomas Schutte.
Τα σχέδια μπατίκ στα πανιά του "Nelson's Ship in a Bottle" ήταν ζωγραφισμένα στο χέρι από τον καλλιτέχνη σε καμβά, εμπνευσμένο από ύφασμα από την Αφρική και την ιστορία του. Το μπουκάλι είναι 5x2,8 μέτρα, κατασκευασμένο από γυαλί από perspex και το μπουκάλι ανοίγει αρκετά μεγάλο για να ανέβει στο εσωτερικό για να κατασκευάσει το πλοίο.