Προέλευση και σχολές αφηρημένης τέχνης

Αφηρημένη τέχνη (μερικές φορές ονομάζεται αφηρημένη τέχνη) είναι ένας πίνακας ή ένα γλυπτό που δεν απεικονίζει ένα άτομο, ένα μέρος ή κάτι στον φυσικό κόσμο. Με την αφηρημένη τέχνη, το αντικείμενο της εργασίας είναι αυτό που βλέπετε: χρώμα, σχήματα, πινελιές, μέγεθος, κλίμακα και, σε ορισμένες περιπτώσεις, η ίδια η διαδικασία, όπως στο ζωγραφική δράσης.

Οι αφηρημένοι καλλιτέχνες προσπαθούν να είναι μη αντικειμενικοί και μη αντιπροσωπευτικοί, επιτρέποντας στον θεατή να ερμηνεύσει το νόημα κάθε έργου με τον δικό του τρόπο. Έτσι, η αφηρημένη τέχνη δεν είναι μια υπερβολική ή παραμορφωμένη άποψη του κόσμου όπως βλέπουμε στους κυβιστικούς πίνακες του Paul Cézanne (1839–1906) και Πάμπλο Πικάσο (1881–1973), γιατί παρουσιάζουν έναν τύπο εννοιολογικού ρεαλισμού. Αντ 'αυτού, η μορφή και το χρώμα γίνονται το επίκεντρο και το αντικείμενο του κομματιού.

Ενώ μερικοί άνθρωποι υποστηρίζουν ότι η αφηρημένη τέχνη δεν απαιτεί τις τεχνικές δεξιότητες της αναπαραστατικής τέχνης, άλλοι θα παρακαλούσαν να διαφέρουν. Πράγματι, έχει γίνει μια από τις σημαντικότερες συζητήσεις στη σύγχρονη τέχνη. Ως Ρώσος αφηρημένος καλλιτέχνης

"Από όλες τις τέχνες, η αφηρημένη ζωγραφική είναι η πιο δύσκολη. Απαιτεί να ξέρετε πώς να σχεδιάζετε καλά, ότι έχετε αυξημένη ευαισθησία στη σύνθεση και στα χρώματα και ότι είστε αληθινός ποιητής. Αυτό το τελευταίο είναι απαραίτητο. "

Οι ιστορικοί της τέχνης συνήθως χαρακτηρίζουν τις αρχές του 20ου αιώνα ως σημαντικό ιστορική στιγμή στην ιστορία της αφηρημένης τέχνης. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, οι καλλιτέχνες εργάστηκαν για να δημιουργήσουν αυτό που ορίστηκαν ως «καθαρή τέχνη»: δημιουργικά έργα που δεν στηρίζονταν σε οπτικές αντιλήψεις, αλλά στη φαντασία του καλλιτέχνη. Εμπλουτισμένα έργα αυτής της χρονικής περιόδου περιλαμβάνουν το "Picture with a Circle" του Kandinsky το 1911 και το "Caoutchouc", που δημιουργήθηκαν από τον Γάλλο καλλιτέχνη avant-garde Francis Picabia (1879–1953) το 1909.

Οι ρίζες της αφηρημένης τέχνης, ωστόσο, μπορούν να εντοπιστούν πολύ περισσότερο. Καλλιτέχνες που σχετίζονται με κινήματα όπως το 19ο αιώνα Ιμπρεσιονισμός και ο εξπρεσιονισμός πειραματιζόταν με την ιδέα ότι η ζωγραφική μπορεί να συλλάβει το συναίσθημα και την υποκειμενικότητα. Δεν χρειάζεται απλώς να επικεντρωθεί σε φαινομενικά αντικειμενικές οπτικές αντιλήψεις. Πηγαίνοντας ακόμη πιο μακριά, πολλοί αρχαίοι ζωγραφικοί βράχοι, υφάσματα και σχέδια κεραμικής συνέλαβαν μια συμβολική πραγματικότητα αντί να προσπαθούν να παρουσιάσουν αντικείμενα όπως τα βλέπουμε.

Ο Kandinsky θεωρείται συχνά ένας από τους πιο σημαντικούς αφηρημένους καλλιτέχνες. Μια άποψη για το πώς εξελίχθηκε το στυλ του από την αναπαράσταση σε καθαρή αφηρημένη τέχνη με τα χρόνια είναι μια συναρπαστική ματιά στο κίνημα γενικά. Ο ίδιος ο Καντίνσκι ήταν ικανός να εξηγήσει πώς ένας αφηρημένος καλλιτέχνης μπορεί να χρησιμοποιήσει το χρώμα για να δώσει έναν φαινομενικά άνευ αντικειμένου σκοπό εργασίας.

Ο Καντίνσκι πίστευε ότι τα χρώματα προκαλούν συναισθήματα. Το κόκκινο ήταν ζωντανό και αυτοπεποίθηση. το πράσινο ήταν ήρεμο με εσωτερική δύναμη. το μπλε ήταν βαθύ και υπερφυσικό. το κίτρινο θα μπορούσε να είναι ζεστό, συναρπαστικό, ενοχλητικό ή εντελώς τρελό. και το λευκό φαινόταν σιωπηλό αλλά γεμάτο δυνατότητες. Ανέθεσε επίσης τόνους οργάνων για κάθε χρώμα. Το κόκκινο ακουγόταν σαν τρομπέτα. το πράσινο ακούγεται σαν βιολί μεσαίας θέσης. γαλάζιο ακούγεται σαν φλάουτο. σκούρο μπλε ακουγόταν σαν τσέλο, κίτρινο ακουγόταν σαν πανηγύρι τρομπέτες. το λευκό ακουγόταν σαν μια παύση σε μια αρμονική μελωδία.

Αυτές οι αναλογίες με τους ήχους προήλθαν από την εκτίμηση του Kandinsky για τη μουσική, ειδικά από τα έργα του σύγχρονου βιενέζικου συνθέτη Arnold Schoenberg (1874–1951). Οι τίτλοι του Kandinsky αναφέρονται συχνά στα χρώματα της σύνθεσης ή στη μουσική, για παράδειγμα, "Αυτοσχεδιασμός 28" και "Σύνθεση II."

Ο Γάλλος καλλιτέχνης Robert Delaunay (1885–1941) ανήκε στο Blue Rider του Kandinsky (Die Blaue Reiter) ομάδα. Με τη σύζυγό του, τη Ρωσίδα-γεννημένη Sonia Delaunay-Turk (1885–1979), και οι δύο έφεραν την αφαίρεση στο δικό τους κίνημα, Ορφισμός ή Ορφικός Κυβισμός.

Σήμερα, η «αφηρημένη τέχνη» είναι συχνά ένας όρος ομπρέλας που περιλαμβάνει ένα ευρύ φάσμα στυλ και κινήσεων τέχνης. Περιλαμβάνονται μεταξύ αυτών είναι μη αντιπροσωπευτική τέχνη, μη αντικειμενική τέχνη, αφηρημένος εξπρεσιονισμός, τέχνη informel (μια μορφή χειρονομίας τέχνης), ακόμη και μερικές op art (οπτική τέχνη, αναφέρεται στην τέχνη που χρησιμοποιεί οπτικές ψευδαισθήσεις). Η αφηρημένη τέχνη μπορεί να είναι χειρονομική, γεωμετρική, ρευστή ή εικονιστική — υπονοώντας πράγματα που δεν είναι οπτικά όπως συναίσθημα, ήχος ή πνευματικότητα.

Ενώ τείνουμε να συσχετίζουμε την αφηρημένη τέχνη με τη ζωγραφική και τη γλυπτική, μπορεί να εφαρμοστεί σε οποιοδήποτε οπτικό μέσο, ​​συμπεριλαμβανομένου του συνάθροιση και φωτογραφία. Ωστόσο, οι ζωγράφοι έχουν τη μεγαλύτερη προσοχή σε αυτό το κίνημα. Υπάρχουν πολλοί αξιοσημείωτοι καλλιτέχνες που αντιπροσωπεύουν τις διάφορες προσεγγίσεις που μπορεί κανείς να ακολουθήσει στην αφηρημένη τέχνη και είχαν σημαντική επιρροή στη σύγχρονη τέχνη.

• Κάρλο Καρρά (1881–1966) ήταν ένας Ιταλός ζωγράφος γνωστός για το έργο του στο Φουτουρισμό, μια μορφή αφηρημένης τέχνης που υπογράμμισε την ενέργεια και την ταχέως μεταβαλλόμενη τεχνολογία των αρχών του 20ού αιώνα. Κατά τη διάρκεια της καριέρας του, αυτός εργάστηκε στον Κυβισμό επίσης και πολλοί από τους πίνακες του ήταν αφαιρέσεις της πραγματικότητας. Ωστόσο, το μανιφέστο του, "Ζωγραφική ήχων, θορύβων και μυρωδιών" (1913) επηρέασε πολλούς αφηρημένους καλλιτέχνες. Εξηγεί τη γοητεία του με τη συναισθησία, μια αισθητηριακή διασταύρωση στην οποία, για παράδειγμα, "μυρίζει" ένα χρώμα, το οποίο βρίσκεται στην καρδιά πολλών αφηρημένων έργων τέχνης.
• Umberto Boccioni (1882-1916) ήταν ένας άλλος Ιταλός Φουτουριστής που επικεντρώθηκε στις γεωμετρικές μορφές και επηρεάστηκε σε μεγάλο βαθμό από τον Κυβισμό. Το έργο του απεικονίζει συχνά τη φυσική κίνηση όπως φαίνεται "State of Mind" (1911). Αυτή η σειρά τριών πινάκων καταγράφει την κίνηση και το συναίσθημα ενός σιδηροδρομικού σταθμού και όχι τη φυσική απεικόνιση επιβατών και τρένων.
• Καζίμιρ Μαλέβιτς (1878-1935) ήταν Ρώσος ζωγράφος τον οποίο πολλοί περιγράφουν ως πρωτοπόρος της γεωμετρικής αφηρημένης τέχνης. Ένα από τα πιο γνωστά έργα του είναι "Μαύρη πλατεία" (1915). Είναι απλοϊκό αλλά απολύτως συναρπαστικό για τους ιστορικούς της τέχνης γιατί, όπως αναλύει η Tate, «είναι η πρώτη φορά που κάποιος έκανε μια ζωγραφική που δεν ήταν κάτι».
• Τζάκσον Πόλοκ (1912–1956), ένας Αμερικανός ζωγράφος, θεωρείται συχνά ως η ιδανική παράσταση του Περίληψη Εξπρεσιονισμόςή ζωγραφική δράσης. Η δουλειά του είναι κάτι περισσότερο από στάγδην και πιτσιλιές χρωμάτων σε καμβά, αλλά είναι πλήρως χειρονομική και ρυθμική και συχνά χρησιμοποιούσε πολύ μη παραδοσιακές τεχνικές. Για παράδειγμα, "Full Fathom Five" (1947) είναι ένα λάδι σε καμβά που δημιουργήθηκε, εν μέρει, με καρφιά, νομίσματα, τσιγάρα και πολλά άλλα. Μερικά από τα έργα του, όπως «Υπήρχαν επτά στα οκτώ» (1945) είναι τεράστια, εκτείνεται σε πλάτος πάνω από οκτώ πόδια.
• Μαρκ Ρότκο (1903–1970) ανέβασε τις γεωμετρικές περιλήψεις του Μάλεβιτς σε ένα νέο επίπεδο μοντερνισμού με τη ζωγραφική στο πεδίο. Αυτός ο Αμερικανός ζωγράφος αυξήθηκε τη δεκαετία του 1940 και απλοποίησε το χρώμα σε ένα θέμα από μόνο του, επαναπροσδιορίζοντας την αφηρημένη τέχνη για την επόμενη γενιά. Οι πίνακες του, όπως "Four Darks in Red" (1958) και "Πορτοκαλί, Κόκκινο και Κίτρινο" (1961), είναι τόσο αξιοσημείωτα για το στυλ τους όσο και για το μεγάλο τους μέγεθος.